III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

“LABERINTOS DEL ARTE”

CLAUSURA

VELADA MUSICAL

Con motivo de la clausura de la III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA y su exposición, “LABERINTOS DEL ARTE”, mañana sábado, a las 19:00 h., tendrá lugar en los jardines del museo, una velada musical con una selección de temas a cargo de Nandi Saenz y Puknia Saenz.

A lo largo de la misma, se irán leyendo comentarios sobre los 46 artistas participantes de esta muestra colectiva en la que han mostrado sus obras artistas de toda Latinoamérica, España y Portugal.

III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

“LABERINTOS DEL ARTE”

EXPOSICION

BEATRIZ ANSEDE BONOME

(Autora del cartel de la exposición)

Fotografía de la artista Beatriz Ansede Bonome.

Beatriz Ansede Bonome nace en Irixoa, (A Coruña, España), y, aunque en sus primeras épocas se la ha vinculado al postimpresionismo, la trayectoria artística de esta pintora gallega desemboca, en los últimos años, en una apuesta por la mancha y la textura en una abstracción que, aunque invita a traspasar sus lienzos, lo hace desde lo misterioso y enigmático.

La curiosidad y la pasión por la pintura de esta artista gallega, la inducen a introducirse en el mundo de la investigación y el estudio lo que, a su vez, origina su incursión en la experimentación de nuevas técnicas, recursos y soportes pictóricos; ello ocasiona que la carrera artística de esta pintora haya pasado por diferentes períodos y ciclos que quedan de manifiesto en esta muestra.

COMENTARIO

“Hay en el proceso creativo de Beatriz Ansede, un importante paso previo a la acción de pintar y éste se da a través de la emoción que le produce la contemplación de la naturaleza, empezando por la luz que modula los paisajes y los objetos.

La luz tamizada o vibrante, juega un papel decisivo en todos sus cuadros, recreando tiernas composiciones líricas, o definiendo paisajes fuertemente dramáticos…”

(Román Pereiro Alonso, crítico de arte).

ARGENTINA

VICTOR FLORIDO

Fotografía del artista Victor Florido.

Nace en la capital argentina, Buenos Aires, y estudia Pintura y Dibujo con Sergio Bazán e Historia del Arte con Laura Batkis. Poco tiempo después, consigue una beca para hacer una residencia en Rijksakademie van beeldende Kunsten, (Holanda), experiencia que le permite ampliar sus conocimientos y sus recursos técnicos.

“Durmientes”

Una de las características, de las obras de este artista, es la monotonía de su paleta con lo que consigue trasladar al espectador a un mundo de incertidumbre y de la presencia de sensaciones encontradas, provocadas por la comprensión e incomprensión de los que observa.

“Retratos N-5″

Imágenes creadas y escenas compuestas que manifiestan un hermetismo y una ambigüedad, una ruptura de los espacios en donde las representaciones aparecen y se mezclan con y sin contornos que definan los volúmenes.

COMENTARIO

“En algunas de sus obras Víctor Florido recupera ciertos aspectos propios del tiempo vivido por la generación de sus padres, surgen sus libros, una determinada relación con la naturaleza aparece en imágenes des-congeladas que son revisadas, con otra mirada. El respeto hacia las utopías irresueltas de la modernidad incluye la posibilidad de un distanciamiento crítico. Es el mundo que lo vio nacer y que él ha visto desdibujarse luego, hoy lo recupera merced a un ejercicio de memoria intervenida desde las entrañas mismas del deseo.” (Corinne Sacca Abdi, crítica, curadora y miembro de la Asociación Internacional de Crítica de Arte).

BOLIVIA

MAMANI MAMANI

Fotografía del artista Mamani Mamani.

Roberto Mamani Mamani nace en Bolivia, (Cochabamba), en el seno de una familia de origen quechua y aymara; orígenes que determinan el desarrollo artístico de este pintor y sin los cuales la comprensión y análisis de su obra sería incompleto.

Marcado, pues, por esta situación, en su obra se aprecia la importancia de los sentimientos y la visión que él tiene de estos dos pueblos que especifican una obra repleta de color, fuerza, energía y de texturas arraigadas en el sentir andino.

“Amalgama de momtañas”

Su procedencia, también condiciona un discurso pictórico peculiar que lo diferencia del discurso contemporáneo reinante en su país y favorece, por medio de sus lienzos, una visión genuina del arte boliviano arraigado en la tierra.

“Claro de luna”

La obra de Mamani Mamni, en especial sus acrílicos y pasteles, están invadidas de formas ondulantes, portadoras de equilibrio y armonía, y de un vibrante cromatismo, saturado de naranjas, rojos, turquesas y violetas, por medio de los cuales toman forma las características propias del pueblo aymara.

COMENTARIO

“En Bolivia somos casi el 60% de indígenas, es poca la gente de afuera. Por esta razón es importante que valoremos nuestra cultura, que la gente se sienta orgullosa de esta diferencia. Este es mi trabajo como artista y como hombre.” (R. Mamani Mamani).

CARLOS RIMASSA

Fotografía de Carlos Rimassa.

Poeta, director de teatro, además de artista plástico, Carlos Rimassa, (Cochabamba, Bolivia), desarrolla una obra pictórica que está impregnada de influencias expresionistas, fauvistas y cubistas.

Sin embargo, y a pesar de esas influencias iniciales, la obra de Rimaza es enmarcada dentro del Neoexpresionismo, ello en gran parte a la energía con que realiza los trazos y a la gran expresividad que los acompaña.

“Pueblo mio”

Máximo exponente del espectro artístico y cultural boliviano, su obra está considerada un referente para los estudiosos del arte de su país para quienes su amplia producción plástica representa un punto de partida a ser considerado.

Cada una de sus obras puede ser considerada como una representación vívida en la que las líneas, que aplica a sus soportes, se convierten en una fidedigna traducción de emoción y lirismo, independientemente de que el estilo seleccionado, en cada caso, se ajuste a criterios figurativos o abstractos.

“Trópico de mayo”

COMENTARIO

“Estamos ante el artista que profundiza en el paisaje y lo sintetiza para descubrírnoslo. La madurez del lenguaje plástico de Rimaza, se aprecia en la transición del paisaje externo como referencia a un paisaje interno y subjetivo. Viendo su obra global encontramos el hilo conductor que une las etapas del artista a una lógica interna de su arte.” (Rosse Marie Caballero, escritora).

BRASIL

 HERMELINDA ALMEIDA

Fotografia de la artista Ermelinda Almeida.

Nacida en Fortaleza, (Brasil), vive en Sao Paulo y, más tarde, se afinca en Río de Janeiro, ciudades que marcan el camino artístico de esta pintora autodidacta.

La pintora brasileña llega a la esfera del arte por casualidad. De origen humilde, la dificultades de su existencia la inducen a caer en una depresión de la que consigue salir siguiendo el de consejo de una amiga que la invita a refugiarse en la pintura. Es así, como asiste a las clases de Tancredo de Araujo, quien se convierte en el punto de partida de la formación de la pintora y quien despierta su pasión por la pintura.

“A vendedora”

Su carrera despega cuando es invitada a realizar un lienzo para una exposición cuya temática es la Copa del Mundo de Fútbol, una invitación que ocasiona que la artista sea requerida para realizar exposiciones, individuales y colectivas, en galerías y centros artísticos.

Con un marcado estilo naïf, que define toda su producción, Almeida se enfrenta a las telas en blanco con una energía inusual, en la que el color azul predomina sobre cualquier otro, y en donde los acrílicos son su técnica preferida.

“A balança”

COMENTARIO

“Saber que uno puede llegar a otras personas por medio del arte, nos eleva hacia un mundo diferente, donde las tristezas se desvanecen en risas, lo que se toca se puede alcanzar, donde los sueños no existen porque todo es realidad… es como tomar el pincel y dar color a lo deseado o imaginado; dibujo con palabras al silencio, al amor al recuerdo y al olvido.” (Hermelinda de Almeida).

CHICO TUPYNAMBA

Fotografía del artista Chico Tupynambá.

Nacido en la ciudad de Sao Paulo, este pintor brasileño se gradúa en Ingeniería Mecánica en la Universidad de Tecnología del municipio de Mavá.

Se inicia como pintor autodidacta arrastrado por su intensa afición al arte y aun vivo deseo de expresar, por medio de su producción artística, un entorno que lo envuelve y que él imagina y tamiza.

“The duet”

Chico Tupynambá utiliza sus conocimientos en programación informática, para desarrollar su labor como artista pero sin rechazar otros métodos más tradicionales o clásicos como, por ejemplo, el lienzo, el papel o el lápiz.

Los estudiosos de su obra destacan en su trayectoria tres etapas: la primera, en la que el surrealismo coincide con el inicio de su carrera; la segunda, iniciada en los albores de la década de los ochenta y, por ultimo, una tercera en la que, tras años de experimentación con abstracciones geométricas, se consolida como pintor abstracto en la primera década del siglo XXI.

“Seated woman”

CHILE

CRISTIAN AVILES

Fotografía del artista Cristian Avilés.

Nacido en Santiago de Chile, (1971), con tan sólo diecisiete años inicia su formación en el taller de la pintora Marcy Lanfranco al lado de la que descubre el óleo y las posibilidades que esta técnica proporciona.

En el año 1994, se licencia en Bellas Artes, con un distinguido expediente académico, y continúa su formación centrándose en la investigación de diferentes materiales, procedimientos pictóricos y técnicas; casi una década, (1991-1999), denominada de “Figuración Existencial” en la que tienen un papel relevante sus dibujos y pinturas de la figura humana.

Tras viajar a Europa, y sumergirse en el mundo de los grandes museos europeos, fija su residencia en España en el año 2010.

“Estudio de manos”

El año 2007 se convierte en un importante referente, en la trayectoria profesional de Cristián Avilés, al ser seleccionado para participar en la “Exposición Colectiva Antológica sobre Realismo Español Contemporáneo”, celebrada en Alemania; una exhibición que le lleva a ser considerado como un referente de la pintura Realista Contemporánea Española y Latinoamericana.

“Estados internos”

A pesar de ello, el propio artista se define como un pintor figurativo que traduce e interpreta una realidad de la que sustrae imágenes que, tras un exhaustivo análisis, le permiten mostrar su subjetividad perfectamente tamizada y depurada.

MARCELO VERGARA MARTINEZ

Fotografía del artista Marcelo Vergara.

El artista chileno nace en la ciudad de Concepción, en cuya Universidad obtiene la Licenciatura en Artes Plásticas con una Mención Especial en Pintura.

“Interrupción”

Su obra se recrea en escenas familiares, arboledas y oleajes marinos utilizando la abstracción; una abstracción que configura la obra de Marcelo Vergara, un pintor que, a pesar de ser sujeto imparcial y objetivo de cuanto le rodea, inmortaliza en sus cuadros una realidad cribada con precisión en su interior antes de plasmarla en el lienzo.

“Reflejado”

 COMENTARIO

“Observar la pintura de Marcelo Vergara, es transitar por una fragmentación de recuerdos inalienables de espiritual paisaje interior, reflejadas en la paleta cromática fría de nápoles que invaden la espacialidad geométrica de azules, negros y que culmina con ardientes rojos, evidenciando su especial postura plástica contemporánea.” (Arnaldo Carrasco, Gestor Cultural).

COLOMBIA

DAVID MANZUR

Fotografía del artista David Mazur.

Considerado un inevitable referente artístico del arte colombiano, latinoamericano e internacional, la trayectoria del maestro David Manzur se fundamenta en una total dedicación al mundo del arte y de la estética; intensos años de preparación y décadas de trabajo por las que su producción artística se desliza por diferentes etapas en  cuanto a técnicas y estilos.

Tras prestar atención e interés por las tendencias contemporáneas y el experimento, que sin duda dan a su obra posterior un bagaje conceptual y técnico muy definido, se desmarca de estos para iniciar un camino independiente y genuino más allá de modas y tendencias artísticas.

“Ciudad oxidada”

Del expresionismo y el cubismo, experimentados de manera muy personal, las obras de Manzur destilan un impresionismo abstracto claramente identificado por la precisión con la que este artista utiliza tanto los colores como las texturas.

Su amistad con Naum Gabo le lleva a un acercamiento al constructivismo, la precisión geométrica y las estructuras tridimensionales que se manifiestan en sus obras al lado de referencias a la música y La Luna, dos de los iconos permanentes en su trayectoria.

En los años setenta, regresa a la figuración, embebido de sus anteriores experiencias y con un estilo artístico propio en el que sus obras adquieren una nueva dimensión conceptual: la que otorga al arte, no sólo una forma de expresión, sino, también, la categoría de un vehículo de transmisión de personalidades sensibles, emociones compartidas y de comunicación de sus propias inquietudes.

“Sin título”

COMENTARIO

“La obra del pintor colombiano David Manzur, (Neira, 1929), ha logrado un grado de excelencia difícil de igualar no sólo por el talento que hace manifiesto, sino por el bagaje técnico y conceptual que la respalda. Hace varias décadas su trabajo tomó un rumbo independiente, alejado de los presupuestos modernistas y de urgencias vanguardistas, internándose en un derrotero personal que hoy, cuando la modernidad es cuestionada por su exagerado énfasis en los imperativos estilísticos, le confieren una vigencia que hubiera sido difícil de prever hace algunos años.” (Eduardo Serrano, historiador y crítico de arte).

OSCAR ZAPATA

Fotografía del artista Oscar Zapata.

Arquitecto y artista contemporáneo Óscar Zapata, que nace en la ciudad colombiana de Chinchina, realiza estudios en la escuela de Arquitectura y Artes de la Universidad Nacional de Colombia y el Postgrado en Diseño Urbano en la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá.

“Estudio con perro andaluz”

El conjunto de sus creaciones artísticas está definido, por los expertos, como integrante del Nuevo Expresionismo Contemporáneo con predominio de las técnicas acrílicas y digital.

“Extramuros-5″

Su obra ha sido mostrada, en exposiciones individuales y colectivas, dentro y fuera de su país.

COSTA RICA

GILBERTO AQUINO

Fotografía del artista Gilberto Aquino.

Tras realizar exposiciones individuales y participar en exhibiciones colectivas, nacionales e internacionales, Gilberto Aquino se consolida como uno de los representantes artísticos del arte latinoamericano.

Junto a una esmerada técnica, este pintor y músico asentado en Costa Rica, destaca por una de sus señas identitarias de su producción pictórica: el manejo que hace del color, y de las diferentes tonalidades que cada uno posee y que, los pinceles de este pintor, hacen que en sus obras sobresalga un variado surtido de colores vivos.

“Luna llena, cuarto menguante”

Tras realizar estas consideraciones sobre la fuerza que el color tiene en sus cuadros, otro de los rasgos a destacar en ellos es la temática elegida. Una temática que se encarga de resaltar la cultura latinoamericana y, en especial, el arte popular mediante sus conocidos cuadros con imágenes de mujeres y pinturas de peces.

“Pájaro come círculos”

ANA BEATRIZ SANCHEZ

Fotografía de la artista Ana B. Sánchez.

Licenciada en Artes Plásticas, con la especialidad en Pintura, en la Escuela de Artes Plásticas de Costa Rica, la artista perfecciona su formación al lado de los maestros costarricenses Cristina Fournier y Manuel de la Cruz González.

“Esencia humana”

Su producción artística está marcada por la continua investigación en el campo de las artes visuales, con predominio de la fotografía, el diseño y la pintura, caracterizada por una estructuración conceptual que tiene como base una temática anexionada al patrimonio e identidad nacional y a la naturaleza.

La trayectoria profesional de Ana B. Sánchez, está vinculada a un peculiar estilo expresionista en donde los colores y el grafismo destacan, junto a un marcado énfasis en la luz, que son los que se encargan de dejar una impronta en el reflejo exacto de su entorno costarricense.

“Mosaico de culturas entrelazadas”

CUBA

YOVANI BAUTA

Fotografía del artista Yovani Bauta.

Yovani Bauta nace en Cuba, donde se gradúa como profesor de Pintura y Dibujo en la Escuela Nacional de Artes de La Habana y como licenciado en Derecho en la Universidad de Matanzas.

Estadounidense de adopción, Bauta está considerado un creador multidisciplinar cuya creatividad y ansias de experimentación e investigación le llevan a introducirse en disciplinas que, aunque ligadas al arte, no comparten plenamente las premisas de las artes plásticas tales como, por ejemplo, el teatro o el ensayo literario.

“Stting in the park”

Sin embargo, estas experiencias contribuyen a dar a sus creaciones plásticas un sólido poso y otorgan al artista una solvencia difícil de rebatir.

“Falling”

Su obra ha sido exhibida en diversos museos nacionales e internacionales de Estados Unidos, Suiza, España y otros países, además, de aparecer reseñada en libros y revistas de arte.

ARTURO MONTOTO

Fotografía del artista Arturo Montoto.

De orígenes humildes, este artista nacido en Pinar del Río, (Cuba), consigue desarrollar, a lo largo de su trayectoria profesional, su faceta creativa no sólo en el ámbito de la pintura sino, también, en otros engarzados con las artes plásticas como el muralismo, la escultura, el dibujo, el grabado y la fotografía.

“Estudio con papaya”

Su pintura, ligada a la poesía, tiene su punto de inflexión cuando, una vez graduado en la Escuela de Arte de Pinar del Río y en la Escuela Nacional de artes de La Habana, obtiene una beca para estudiar en Rusia. El dilema se instala en su alma, cuando se da cuenta que ha de elegir entre ajustarse al estricto academicismo ruso y el deseo de seguir su propio impulso creativo e imaginativo.

Optando, finalmente, por la primera opción, Montoto consigue imbuirse de una formación que le proporcionará en su futuro profesional un dominio absoluto del método, de recursos y técnicas que le permite, a su vez, una impecable ejecución de sus obras y consolidar su deseo de acercar el arte a la vida y a la realidad de otros.

“Los dos extremos del peligro”

COMENTARIO

“Su tratamiento de la luz se corresponde, contrariamente a lo que muchos creen, con una cuidadosa observación de la importancia de las sombras en un país donde todo parece luz, por la intensidad de los rayos del sol tropical. Montoto es un maestro de la oblicuidad en la entrada de la luz al espacio pictórico. En sus cuadros nunca es mediodía.” (Yolanda Word).

REPUBLICA DOMINICANA

AMADO MELO

Fotografía del artista Amado Melo.

Amado Melo nace en Bani, (República Dominicana), y está considerado como uno de los artistas más relevantes de su país.

Se le considera un experto en la toma de sus propias circunstancias, que le llevan a una introspección íntima y que, a su vez, revierte en la investigación y en el análisis plástico.

“Seres”

Partiendo de la observación de un entorno natural, en apariencia simple y sencillo, Melo lo transforma en formas ovoides, lanceadas y oblongas entrelazadas y sueltas que transcriben a sus lienzos calidez y sensualidad.

“Nacimiento de un fractal”

Su lenguaje pictórico, suave, sugiere formas corporales que el artista asocia a una metafísica que conduce a una reflexión marcada por el erotismo y la sutilidad; consiguiendo que ambas imbuyan al espectador en el dilema de la creación humana a través de la desbordante fantasía del artista.

AMAYA SALAZAR

Fotografía de la artista Amaya Salazar.

Amaya Salazar nace en Santo Domingo, (República Dominicana), y realiza estudios de formación en la Academia Artium, (España), y en la Escuela de Bellas Artes de Boston, (E.E.U.U.).

Su obra se caracteriza por la luminosidad que infiere a sus cuadros en los que son referencias las diferentes tonalidades solares; incluso cuando la temática representada son paisajes nocturnos siempre asoma por algún resquicio una luz interior que los ilumina.

“Susurrus”

Otra singularidad de su producción, estriba en la trascendencia que da a la flora como parte de un entorno que abraza a sus personajes.

Pero si existe algún rasgo especial y único en sus óleos, son sus famosas y conocidas figuras de mujeres mediante las cuales, Salazar, nos acerca a la intimidad femenina.

“En la profundidad”

Artista multidisciplinar, no se resigna a utilizar sólo el óleo para transmitirnos sus mensajes; el bronce, el mármol, el carboncillo, la acuarela, el acero o la tinta son canales de perfecta comunicación entre ella y el público.

ECUADOR

MIGUEL BETANCOURT

Fotografía del artista Miguel Betancourt.

Nace, en el año 1958, en la capital ecuatoriana de Quito y realiza su incursión en el mundo del arte de la mano del pintor Oswaldo Moreno a la edad de 16 años.

Dos años más tarde continúa su formación en E.E.U.U. en el taller del Milwaukee Art Center y, en 1987, es invitado por el Departamento de Estado a realizar una gira cultural por este país y recibe una beca para realizar un postgraduado en la Academia Slade School of Fine en donde conoce a Jhon Hoyland con el que entabla amistad.

“El páramo”

La totalidad de la obra de Betancourt está integrada por una interesante variedad de técnicas que aportan a su trayectoria una gran diversidad; técnicas que el artista maneja con total frescura, firmeza y dominio.

“Ciudad con islas”

Acuarelas, óleos, técnica acrílica, dibujo y un extenso etcétera, combinados con otros materiales y presentados en diferentes soportes, dan a su obra un enriquecimiento artístico, no siempre fácil de conseguir, que le llevan a ser merecedor de premios y reconocimientos del calibre del Premio Pollock-Krasner, (E.E.U.U., 1993), Premio Trienal de Arte Andinoamericano, (Chile, 1994), o el Premio Diógenes Toborda, (Argentina, 2000).

OLMEDO QUIMBITA

Fotografía del artista Olmedo Quimbita.

Olmedo Quimbita nace en la ciudad ecuatoriana de Latacunga, capital de la provincia de Cotopaxi, y se acerca al arte por deseo de su padre que le envía a estudiar con su amigo Manuel Canqui y, años más tarde, ingresa en el “Taller de Pintura de Los Parra.”

“Los amantes”

A partir de 1986, el artista comienza un periplo por diferentes países del mundo que se convierte en uno de los centros formativos más exquito y elitista; un largo viaje que marcará su producción artística plagada de grises y de paisajes andinos.

Sus visitas a los grandes museos y centros culturales europeos dan a sus obras un sólido poso, consiguiendo que la dimensión plástica, de este pintor ecuatoriano, consiga una perfecta armonización de los colores y sus diferentes tonalidades a la vez que permite la sincronía entre estos y la luminosidad.

“Niños jugando”

COMENTARIO

“En muchas de mis obras podríamos asociar algo a la libertad, pero cuando vemos en alguna obra mía, pájaros que vuelan, seres que vuelan, es decir, estoy expresando la gente que se va de un continente a otro…”, (Olmedo Quimbita).

EL SALVADOR

ALBERTO CERRITOS

Fotografía del artista Alberto Cerritos.

Miembro de la Sociedad de Artistas Plásticos Mexicanos, (SOMART), y de la Sociedad Salvadoreña de Artistas y Escritores, (UNARTES), el pintor Alberto Cerritos se gradúa en la Escuela de Pintura de la Dirección General de Bellas Artes de su país, en el año 1967, y reside desde hace años en Canadá su país de adopción.

Artista multidisciplinar, no elude desarrollar su pasión por el arte en soportes diferentes al lienzo y con técnicas que son ajenas al óleo, una opción que le incita al dibujo, la escultura y al mural.

“Altar for peace 3″

La totalidad de su obra muestra un gran simbolismo que pone de manifiesto un desmesurado lenguaje plástico consecuencia de su dilatada trayectoria profesional.

“Altar for peace 7″

Desde el año 1995, Cerritos investiga y desarrolla su obra dentro del denominado arte digital a la vez que estudia los diferentes procesos y técnicas del siglo XXI, adelantándose a un pensamiento y desarrollo del arte de épocas venideras.

ROMEO GALDAMEZ

Fotografía del artista Romeo Galdámez.

El artista nace, en 1956, en Cinquera, (Cabañas, República de El Salvador), y estudia el Bachillerato en Artes en el Centro Nacional de Artes de su país, (1974); años más tarde adquiere la Licenciatura en Artes Visuales por la Universidad Federal de Río Grande del Sur, (Brasil).

Es miembro de varios organismos e instituciones artísticas de los que cabe destacar la Red Internacional de Arte Correo, un organismo que vincula el arte a la comunicación, del Colectivo de Artistas Visuales La Fábri-k y, también, de la Asociación de Artistas Plásticos de El Salvador.

“Tríptico”

Maestro durante 22 años de comunicación gráfica, en México, y docente en el Centro Nacional de Artes, la obra plástica de Romeo Galdámez  ha sido exhibida tanto en su país como en el extranjero, ya a través de exposiciones individuales como colectivas.

En su producción artística tiene un lugar preferente la técnica serigráfica, que utiliza para mostrar imágenes de la cultura popular, especialmente, latinoamericanas. Consigue con ella composiciones perfectas, en cuanto a lo visual y al detalle, a las que le da un marcado acento de identidad regional y local.

“Aquí nuevas identidades, nuevos nosotros”

Es de destacar la filosofía, de este artista salvadoreño, sobre la importancia que tiene la comunicación del arte; comunicación que desea transmitir con sus obras para lo cual incorpora a la misma elementos del ámbito postal como, por ejemplos, sellos, estampillas y postales.

ESPAÑA

RICARDO GALAN URREJOLA

Fotografía del artista Ricardo Galán.

Nacido en la ciudad gaditana de San Fernando, Ricardo G. Urréjola inicia su camino en el mundo del arte desde muy temprana edad.

Realiza estudios en la Facultad de bellas Artes, “Santa Isabel de Hungría”, de Sevilla, y de grabado en la Escuela de Arte de Olot, (Girona).

Licenciado en Historia del Arte, que compagina su labor educativa con la de artista, se le considera el “pintor de ciudades” a pesar de que el artista no elude otro tipo de representaciones.

“En una avenida”

Su obra se caracteriza por un marcado acento realista, siendo uno de sus trabajos más relevantes el que realiza una comparación estética y conceptual entre las ciudades de Londres y Madrid.

La metodología de la producción, que fundamenta la obra de Urréjola, está ligada a la percepción de su entorno al que otorga matices genuinos de su propia percepción, utilizando como lenguaje de comunicación la pintura.

“Still life”

COMENTARIO

“Siento tendencia a la abstracción y uso parte de sus técnicas, por eso creo que tengo un estilo que concilia ambas corrientes, el realismo y la abstracción.” (Ricardo G. Urréjola).

ANGELES JORRETO

Fotografía de la artista Angeles Jorreto.

La pintura figurativa de frutas, bodegones y composiciones florales marcan los inicios de la carrera profesional de esta artista gallega que, con vigorosas y enérgicas pinceladas, enfatiza el color, sobre todo los azules, tanto en sus acrílicos como en sus óleos.

“Ciudadela”

La evolución de Jorreto hacia la abstracción aparece por la necesidad de capturar la esencia, lo que casi provoca una producción pictórica en la que predomina lo neutro y la negación del color; en la que, a pesar de ser una magnífica dibujante, el dibujo llega a una mínima expresión y se transforma en sutiles líneas que dan paso a una presencia absolutamente colorista, ocasionando que la mancha adquiera una máxima relevancia.

“Calle Mayor”

Considerada una de las figuras más representativas de la pintura gallega, la artista comienza su andadura expositiva en el año 1986, alcanzando su cenit en 2008 con la realización de exposiciones en el extranjero que solidifican su trayectoria.

COMENTARIO

“Tal vez empezó con el paisaje y las flores pero se adentró, sorprendiendo a todos, en el mundo de la figuración con cuadros que pueden estar en la contemplación intimista porque son de pequeño formato, hasta tamaños inimaginables como si se tratase de murales, con el riesgo evidente que conlleva la composición, de lo que siempre sale airosa.”, (Pedro Solveira, pintor y escultor).

GUATEMALA

RODOLFO ABULARACH

Fotografía del artista Adolfo Abularach.

Abularach nace en Guatemala y realiza estudios en California, (1953), en México y en otros países y, aunque ingresa en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de Guatemala, se podría afirmar que es un artista autodidacta que ha logrado llegar a ser un punto de referencia imprescindible en el arte guatemalteco.

Residente en Nueva York, el realismo, que en sus comienzos impregna sus obras, está considerado como una clara manifestación de su yo interior.

“Infierno”

Con el paso de los años, junta elementos del arte abstracto y del surrealismo que le lleva a experimentar y a adquirir un absoluto control de la textura. Son estos ciclos artísticos, los que caracterizan toda la obra de este pintor para quien la técnica jamás es un fin en sí mismo, sino que es un vehículo que utiliza para plantear, objetivamente, la problemática existencial a través de un ángulo conceptual.

Su realismo fantasmal esta determinado por el manejo de la luz y las diferentes tonalidades que captura con ella.

“Aparición”

Intelectual paradigmático, con el limpio trazado que adquieren sus líneas, consigue el movimiento lineal, el dominio absoluto del espacio y el enérgico control mental que pone de manifiesto su obra.

Abularach, alcanza la cima de su trayectoria con la creación de sus características imágenes, aumentadas, del ojo humano que le llevan a ser conocido internacionalmente.

MYNOR ESCOBAR

Fotografía del artista Mynor Escobar.

Licenciado en Artes Visuales y Arquitectura, Mynor Escobar inicia su contacto con las artes plásticas hace más de treinta años, orientando su obra hacia una línea, claramente, figurativa.

Durante muchos años compagina su faceta de pintor con la de ilustrador infantil colaborando, con sus ilustraciones, en la revista “Chicos del Diario prensa Libre” y con su faceta de publicitario, diseñador gráfico y docente del “Programa de Diseño Gráfico” en la Universidad de San Carlos de Guatemala.

“Die augen Tukur”

En el año 1984, se introduce en el movimiento artístico de su país gracias a su aportación creativa que es reconocida por el Ministerio de Cultura y Deportes, con la consideración de “Joven Valor de la Plástica Guatemalteca”, y, en 2007, con el nombramiento de “Artista Revelación del Año”, galardón que le concede la “Organización Artista del Año”.

“Gato on Tukur”

Miembro del Sindicato Nacional Toral de Trabajadores y artistas de la Plástica Guatemalteca, Escobar ha expuesto sus obras en exposiciones, nacionales y extranjeras, colectivas e individuales.

HAITÍ

FRITZNER CEDON

Fotografía del artista Frizner Cedon.

Fritzner Cedon nace en Puerto Príncipe y realiza estudios en el Lyceé Toussaint Louverture y en el Athenee Art Studio.

Consumado artista, sus obras se fraguan mediante representaciones de las figuras humanas representadas, habitualmente, en grupos de trabajadores rurales y se caracterizan por su preocupación por el detalle.

“La herencia”

Maestro del arte haitiano, en 1983, crea el estudio de arte “Los Primitivos” como punto de reunión de sus obras y como un espacio que permita exponer y difundir la obra de los artistas jóvenes haitianos. Posteriormente amplia este espacio para dar acogida, también en él, a pintores caribeños de Cuba y de la República Dominicana.

“Mercado informal”

Su obra, en la que el color y el detalle ocupan un lugar de honor, ha sido mostrada en exposiciones y bienales, en su Haití natal y en el extranjero.

JEAN PHILIPPE MOISEAU

Fotografía del artista Jean P. Moiseau.

Jean Philippe Moiseau, nace en la ciudad de Pétion-Ville situada en las inmediaciones de la capital de Haití, Puerto Príncipe.

Desde muy joven son la curiosidad, la complicidad y la comunicación, unidas a la sensibilidad, el apego a la honestidad y la sinceridad lo que marca su obra artística; señas de identidad que el artista no considera compatibles con las simulaciones y la mediocridad.

“Dialogue”

Realizando estudios en la Escuela de Bellas Artes de su país, es cuando J.P. Moiseau reafirma su talento y su pasión por el arte.

“Los cultivadores”

Personalidades como las del pintor y escritor Stphen Frank, el artista Guayamasin o el pintor Guido Reni, son sólo algunas de las que marcan e influyen, definitivamente, en su trayectoria artística en el gran escenario del mundo del arte.

La obra de este artista haitiano nos adentra, en definitiva, en este fenómeno global y multicultural en el que se ha transformado el reciclaje creativo.

HONDURAS

FRANCISCO ALVARADO

Fotografía del artista Francisco Alvarado.

Francisco Alvarado nace en Honduras aunque reside en Nueva York desde los 16 años; allí cursa estudios en el Stony Brook de la Universidad Estatal de la ciudad neoyorquina.

Tras aplicar su creatividad al mundo literario, en el año 1978 comienza una inusitada trayectoria como artista en donde destaca en la técnica pictórica y en las artes visuales.

“After the tsunami I”

Pronto realiza su incursión expositiva, en la muestra colectiva “36 Horas”, que para Alvarado significa su despegue profesional, un notable incentivo para su creatividad.

Sus cuadros, cuya temática se fundamenta primordialmente en la representación de la flora y la fauna, están modulados por una marcada sensualidad humana.

“After the tsunami II”

IVAN SOTO

Fotografía del artista Iván Soto.

Iván Soto nace en San Estaban(Olancho, Honduras), y realiza estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes.

Sus obras, en las que abunda la temática metafísica y espiritual, se caracterizan por la fusión del figurativismo y la abstracción.

“Sin título”

La evolución artística, de este artista hondureño, estructura una línea creativa en la que presenta sus cuadros en base a una succión de la realidad, circunstancia que él mismo considera esencial y primordial atendiendo a su criterio filosófico del arte y que deja de manifiesto con las siguientes palabras: “Lo mínimo, lo principal, el núcleo e la idea que quiero expresar mediante las manchas, la esquematización y la geometrización de las formas.”

“Sin título”

MÉXICO

HERMINIA PAVON

Fotografía de la artista Herminia Pavon.

Nacida en la ciudad de México, Herminia Pavón adquiere la Licenciatura en Decoración de Interiores y estudia Artes Plásticas en la Universidad Iberoamericana.

Los maestros Manuel Arrieta, José Luis Cuevas, Manuel Felgueres y Alfredo Guati Roso, dejan en ella una impronta artística que la pintora se encargará de aprovechar a lo largo de toda su trayectoria.

“El Arquero del cielo”

En su tarea pictórica, uno de los particulares a destacar es la utilización de diferentes materiales con los que consigue dar a sus creaciones determinados efectos y transparencias, provocando que al espectador le sea imposible no introducirse en sus obras e integrarse en ellas.

Hojas de plata, acrílicos, pinturas y metales, son los colores, formas y espacios que ocasionan ingrávidos cuerpos yuxtapuestos, se transforman en sinuosas curvas y confieren a sus cuadros un ritmo y un compás que conviven en una excelente armonía.

“Gato al agua”

COMENTARIO

“Quiero romper esquemas para que los colores se transformen en acordes que se mueven y bailan al ritmo de nuevas formas o de nuevos personajes, quiero ser maga para que, al mirar mis pinturas, puedan escuchar una nueva sinfonía cromática que los llene de la alegría de vivir.” (Herminia Pavón).

VICTOR RODRIGUEZ

Fotografía del artista Víctor Rodríguez.

El pintor mexicano, artista casi autodidacta afincado en Nueva York desde 1997, comienza su periplo artístico en la década de los noventa en unos instantes en que el arte buscaba nuevas formas de expresión y manifestación.

Fiel a si mismo y en contra de las modernidad conceptual de la época, Víctor Rodríguez mantiene su propia línea de experimentación en la representación pictórica y en la búsqueda de la estética a través del lienzo, los colores y las formas; poniendo su énfasis en una reflexión de la historia de la pintura de Occidente.

“Sin título”

Caracterizan sus obras, producidas en la primera etapa de su trayectoria profesional, las referencias a la publicidad, el comic y a la cultura para, en los primeros años del siglo XXI, realizar un giro hacia una creación que resalta el malestar y en donde sus imágenes, especialmente los retratos, están plagados de actitudes, proporciones y gestos desconcertantes y contundentes.

“Sin título”

NICARAGUA

ELOY MONDRAGON

Fotografía del artista Eloy Mondragón.

Artista autodidacta, desarrolla su sensibilidad creativa desde su infancia y dentro de su entorno familiar. Un entorno en el que los recursos artísticos materiales escasean, una circunstancia que no es óbice para que el artista nicaragüense desarrolle su actividad pictórica.

Se inicia en el mundo del arte de la mano del dibujo al que pronto asocia la pintura, decantándose, en un principio y en ambas disciplinas, por la ejecución de pequeños y medianos formatos.

“Sueños”

Mondragón realiza, muy pronto, su incursión en los ambientes expositivos en galerías de su país, Nicaragua, para con posterioridad hacerlo en otros lugares.

Aunque su obra acrílica es la más conocida, con su característico predominio de colores vivos e intensos, no se abstrae de la experimentación e investigación con otros materiales y técnicas como el grafito, la plumilla y el óleo.

“OK”

JUAN RIVAS ALFARO

Fotografía del artista Juan Rivas.

Juan Rivas Alfaro nace en Ciudad Darío, (Nicaragua), y realiza estudios de Bellas Artes en el Montgmery College, de Marylan; en el Centro de Enseñanza Gráfica de Caracas, (Venezuela), y Bellas Artes en Aix-en-Provence, (Francia).

“Apariciones de cocibolca”

Su obra está considerada, por el escritor y pintor Donaldo Altamirano, como “una propuesta de rigurosa arquitectura visual”, en la que el artista no se olvida de provocar una transmisión de emociones humanas y un análisis de los sentimientos, a través de su creatividad, y en la que la simbolismo y la metáfora son dos de sus señas de identidad.

“Apariciones 5″

El artista ha recibido premios y menciones por varios de sus trabajos y realizado exposiciones, colectivas e individuales, nacionales e internacionales.

PANAMA

MANUEL MONTILLA

Fotografía del artista Manuel Montilla.

Artista autodidacta, Manuel Montilla, desarrolla una vida profesional vinculada a la disciplina pictórica sin dejar al margen, de esta actividad, otros campos como, por ejemplo, el de investigador visual, comunicador, gestor cultural y curador; actividades estrechamente ligadas al mundo del arte.

“País del sueño”

Desarrolla, así mismo, diversas técnicas lo que le permite un amplio espectro creativo que evoluciona de la mano de óleos, collages, acuarelas, ensamblajes, instalaciones, acrílicos y técnicas mixtas que, a su vez, combina con la escultura, la cerámica, el muralismo o la fotografía.

En 1968, el artista comienza su aventura expositiva realizando, desde entonces, multitud de exhibiciones, individuales y colectivas, y asistiendo a alrededor de sesenta bienales.

“Paw 300″

COMENTARIO

“Manuel Montilla para los “Informados”, es un artista, que ha marcado pausas importantes dentro de la Pintura Panameña, dotado de gran genialidad ha sabido construir a través de sus continuos proyectos, una vigorosa atención, que le ha permitido desarrollar, allá en los extremos confines de la nación, una realidad vital y digna de apreciar.” (Arístides Ureña Ramos).

CESAREO YOUNG

Fotografía del artista Cesáreo Young.

Artista panameño, se inicia en el mundo del arte formándose a fondo en diferentes métodos y técnicas de pintura, dibujo y cerámica en los talleres artísticos privados de grades artistas como Carlos Arboleda y Olga Sánchez Borbón que le motivan a introducirse en la investigación de diferentes disciplinas.

En 1992, realiza su primera exposición,”Proposiciones”, lo cual significa el comienzo de una clara y constante trayectoria profesional a lo largo de la cual realiza exposiciones, colectivas e individuales, en su país y en el extranjero.

“Boceto”

Co-fundador de la empresa cultural “Casa Cultural Huellas”, encaminada a acercar el arte a la comunidad, Young participa, en 2009, en el “Grupo de Estudios Peirceanos” de Panamá orientado hacia la investigación de la semiótica en las artes plásticas.

A finales de la primera década del siglo XXI, su interés se encamina hacia la utilización de elementos de decoración popular y la creación de objetos escultóricos que le conduce a una exploración de la cultura panameña teniendo en cuenta la aplicación de varias disciplinas, (collages, ensamblajes, fotografía digital, videos…).

“Constantinopla”

COMENTARIO

“Creo que el trabajo debe ser una diversión, un método de contar algo o un proceso de crear, de desahogo.

Me gusta crear a partir del descubrimiento sin receta estricta, ni temática ni técnicamente.” (Cesáreo Young).

PARAGUAY

RICARDO MIGLIORISI

Fotografía del artista Ricardo Migliorisi.

Este icono del arte guaraní, nace en la ciudad de Asunción, (Paraguay), y siente una irrefrenable atracción por el arte desde muy joven. Estudia pintura con la Maestra Cira Moscarda en cuyo taller, además de dar rienda suelta a su creatividad, Migliorisi aprende todas las técnicas posibles y adquiere unos amplios conocimientos sobre Historia del Arte.

Dado que en aquellos años no existían las Universidades de Arte y este artista tenía muy claro que quería dedicarse a las artes plásticas, estudia arquitectura como la opción que más vínculos de unión podía tener con sus inquietudes.

“Retrato”

Vestuarista y, también, escenográfo, el artista enlaza sus creaciones con el mundo teatral; creaciones en donde las transparencias y las texturas dan vida a los objetos y se unen a la utilización de colores y contrastes que caracterizan su obra.

Con un universo onírico infinito, su producción artística está llena de magnetismo, fuerza, alegría y magia que invaden sus peculiares personajes definidos por la jocosidad y la fantasía.

“Retrato”

COMENTARIO

“No creo que entre en algún estilo. Lo que pasa es que a mi me gusta reinventarme. Me aburro enseguida de las cosas y necesito estar siempre explorando otros caminos.” (Ricardo Migliorisi).

EUGENIA ORTIGOZA

Fotografía de la artista Eugenia Ortigoza.

Artista plástica nacida en San Estanislao, (Paraguay), Eugenia Ortigoza se siente atraída por la pintura desde muy pequeña; una afición que, con el paso de los años, convertirá en su profesión y la llevará a ser considerada uno de los puntos referenciales de la pintura guaraní.

Tras una formación académica, comienza a exponer a partir del año 1994 y, entre 1997 y 2011, imparte clases en seminarios de dibujo y pintura, diferentes talleres artísticos y en el Instituto Superior de Bellas Artes.

“Niñas maka”

Realiza su obra, enmarcada en un estilo realista, a través del empleo del óleo y de la tiza pastel y con una temática indígena que Ortigoza ensalza por medio de sus bodegones, retratos, frutas y diversas escenas autóctonas.

El detalle y la textura cromática la llevan a conseguir una gran luminosidad, una composición espacial en la que los fondos, casi siempre abstractos, son determinantes y ponen de manifiesto la sensibilidad plástica de la artista.

Su preocupación por la minuciosidad, casi transforma su realismo en un hiperrealismo caracterizado por lo enigmático y lo misterioso.

“Is teláin, in”

COMENTARIO

“La obra de Eugenia Ortigoza se caracteriza por su perfección formal. Su técnica impecable es el resultado de su ardua dedicación al dominio del color y de los distintos medios de expresión pictórica: la pincelada, la textura, el tono exacto.” (Osvaldo González Real).

PERU

TEOBALDO NINA

Fotografía del artista Teobaldo Nina.

Artista peruano que estudia en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lima, su obra destaca por la luminosidad de sus acuarelas, el trazo firme y consolidado que confieren a su técnica un total dominio.

Destacado acuarelista, que consigue su primer premio gracias al dibujo, sus obras, que suelen representar paisajes, destacan por su soltura en el empleo de los colores que despiertan en el observador un tendente sentimiento de melancolía y añoranza.

“Mi madre y yo”

Sus trabajos al óleo, vinculan a Teobaldo Nina a un peculiar expresionismo en el que las composiciones, los personajes y el cromatismo producen una distorsión perturbadora y lacerante ausentes en sus acuarelas.

En el ritmo que Nina imprime a sus trabajos no hay lugar para lo decorativo, con lo que estos están cargados de una trascendente objetividad estética y un contrapunto claro-oscuro de contornos delimitados por trazos marcados; en donde se perciben las gamas “sordas” de tierras, blancos, negros y grises.

“Consagración en Acho”

COMENTARIO

“La pintura y acuarela de Teobaldo Nina, ambas con sus propias cualidades, ambas reflejando la sensibilidad de un artista en su tránsito por matices tan valiosos y disímiles como la vida misma, pero hábilmente hilvanados con creativa prolijidad. Entrega el mensaje, es tarea del público descifrarlo sabiendo de antemano que cualquier interpretación es válida. Finalmente todos tenemos ola capacidad de sentir y eso ya es suficiente.” (Fernando Torres, director cultural de ICPNA).

VICTOR SALVO

Fotografía del artista Víctor SALVO.

Nacido en Lunahuaná, (Lima, Perú), se forma en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes de su país y realiza estudios de dibujo, pintura y grabado con los artistas Díaz Mori, Jorge Ara y Galdós Rivas.

La singularidad de la obra artística de Jesús V. Salvador Portuguez, que adopta el nombre artístico de Víctor SALVO, radica en un extenso repertorio visual que tiene como punto de partida iconografías y motivos del arte precolombino.

“Negritos de Yauyos”

Los paisajes, las escenas, los personajes y los ambientes populares, que pueblan sus lienzos, no son otros que los que el artista tamiza de una realidad que configura su entorno más cercano.

Caracteriza sus primeras obras la plasmación de reminiscencias preincas, con temas de fuerte contenido estético para conferir a sus obras, de épocas posteriores, una temática en la que SALVO maneja la figura con cargas regionales de impronta mítica y suministrándoles una visión telúrica expresionista que dan a su producción un interesante aspecto de particularidad.y singularidad.

PORTUGAL

ANTONIO CARMO

Fotografía del artista Antonio Carmo.

El artista nace en Madragoa, uno de los barrios lisboetas más populares, y estudia pintura en la Escuela de Artes Decorativas “Antonio Arroyo” de Lisboa, (Portugal), y durante años ha ilustrado artículos de prensa escrita y libros de escritores portugueses.

Gran amante de la música, sus cuarenta años de actividad artística está avalada por gran cantidad de exposiciones, individuales y colectivas, realizadas en su país y, fuera de él, en los cinco continentes; por un gran palmarés de premios, menciones y reconocimientos y por la gran acogida que tienen sus inauguraciones.

“Destinos do Fado X”

La obra de Antonio Carmo se caracteriza, en su mayoría, por ser un canto a la vida y a la esperanza incluso cuando la temática tiende a caer en la melancolía y la añoranza. Es, entonces, cuando la vigorosidad cromática instalada en sus lienzos trasladan a los espectadores a un espacio en el que reina la alegría y en donde el dramatismo no tiene cabida.

“Andam sonhos no ar”

Los temas más específicos de este artista portugués, son la escenas florales y las vegetaciones exuberantes que envuelven a parejas entrelazadas y, sobre todo, las figuras femeninas. Temática, esta última, con la que el pintor se siente especialmente cómodo; “sus” mujeres imaginarias y “sus” mujeres reales trabajadoras del campo, cantando o escribiendo pero, sobre todo, llenas de fortaleza y optimismo.

CRISTINA TROUFA

Fotografía de la artista Cristina Troufa.

Licenciada en Pintura por la Universidad de Bellas Artes de Oporto, (Portugal, 1988), obtiene la maestría en esta especialidad, en el año 2012, y es co-fundadora de la Asociación de Escultura y Arte Contemporáneo.

A través de sus obras, y como si fuera el único camino posible, la artista explora el mundo interior y espiritual intentando llegar a un conocimiento personal e íntimo en el que los demás parecen no tener cabida.

Lo sutil y lo liviano de sus representaciones, nos sumergen en el complejo mundo de plasmar emociones y sentimientos, de una forma muy intimista, a través de representaciones de conductas cotidianas como puede ser, por ejemplo, el atarse unos zapatos, cortar un hilo o una mirada perdida en el infinito mientras la mente se refugia en pensamientos ajenos a ellas.

“Awakening”

En sus acrílicos es frecuente ver la figura de la propia Cristina Troufa, como partícipe de esas escenas en las que la combinación de los detalles y los espacios vacíos son una constante en su obra y, también, una aparente contradicción. Una contradicción, que sólo puede ser comprendida si tenemos presente el constante interés de la pintora por llegar al conocimiento de lo más íntimo; inquietud de la que deja constancia con las siguientes palabras: “El tema de mi trabajo es mi vida, de mi misma y mis creencias. Exploro en mi trabajo la auto-comprensión en la búsqueda de mi yo interior, mi autorretrato”.

“Carga”

PUERTO RICO

LUIS HERNÁNDEZ CRUZ

Fotografía del artista Luis Hernández Cruz.

El arte costumbrista, paisajista y figurativo realizado durante las primeras etapas pictóricas de este artista puertorriqueño, desembocan en la perfección abstracta que Luis Hernández Cruz alcanza en las últimas décadas y que le otorgan el merecido rol de Maestro de la abstracción, convirtiéndole en un icono del patrimonio artístico de la vanguardia de su país, Puerto Rico, de la segunda mitad del siglo XX.

Colores, pigmentos, formas, texturas y recursos se amalgaman bajo la creatividad y técnica del pintor hasta conseguir una estética que raya en la perfección.

“Erótica I”

50 años de experiencia profesional, confeccionan un amplio currículo vitae en su formación y en su trayectoria. Una trayectoria que comienza cuando realiza el Bachillerato en Artes de la Universidad de su país, la Maestría en Artes en la American University de Washington DC y durante el lustro, (1995-2000), en que fue Director del Museo de Historia, Antropología y Arte de la Universidad de Puerto Rico y Director del Departamento de Bellas Artes.

Enamorado del color y de la vertiente abstracta del arte, Hernández Cruz, cristaliza la obra de su última década en la abstracción geométrica en la que la figura humana se visualiza tras un manto de celosías de fuertes colores, dejando intuir un sutil y sugerente erotismo.

“Gran sinfonía”

La abstracción formalmente geométrica, que emanan sus pinceles, se caracteriza por líneas, cuadrados y rectángulos que configuran un conjunto, una estructura pictórica de gran calidad lírica.

FRANCES PICO

Fotografía de la artista Frances Pico.

Frances Pico realiza estudios de dibujo y pintura en la Art Studes League con profesores de la notoriedad de Jimmy Shine, Ramiro Pazmiño y Mercedes Quiñónez, entre otros, quienes influyeron en la futura trayectoria de la artista y pintora puertorriqueña.

En el año 1998, ingresa en la Escuela de Artes Plásticas en donde coincide con Rafael Rivero Rosa, Ernesto Pujol, Julio Suárez y Luis Felipe López.

“NY”

Tras años de formación, de paciente acumulación de conocimientos, es la década de los noventa la que determina su proyección profesional e internacional y que, además, coincide cuando toma la determinación de dedicarse exclusivamente a su trabajo artístico.

Sus obras, de aquella época, se caracterizan por formas que rozan la abstracción, por un lenguaje íntimo y espiritual que fraguarán en la abstracción pura posterior. En su última etapa el color y las formas adquieren una gran relevancia en sus cuadros, solamente superada por la obsesión de Pico por las texturas, como elementos visuales que invitan a penetrar en cada uno de sus lienzos.

“Camino a la montaña”

URUGUAY

DAMIAN IBARGUREN

Fotografía del artista Damian Ibarguren.

Pintor y muralista, el artista nace en Fray Bentos, (Uruguay), aunque la mayor parte de su infancia y adolescencia la vive en Argentina y en Suecia, país en el que empieza a recibir clases de dibujo y pintura de su padre, también pintor, y asiste a varios talleres artísticos de esta última disciplina.

De formación, prácticamente autodidáctica, su nexo con el arte, y en particular con la pintura, nace de la mano de una exquisita sensibilidad artística vinculada a su familia.

“La redota”

En 1985, tras la restauración democrática en su país, regresa a su ciudad natal y unos años más tarde ingresa en la Facultad de Arquitectura de Montevideo.

Su obra la realiza, fundamentalmente, sobre material que recicla y, en mayor medida, sobre telas y en cartón recogido de la calle.

De resaltar es, también, la faceta de muralista de Ibarguren; una faceta que es el máximo exponente del afán del artista de trasladar su creatividad a soportes más ambiciosos y a una búsqueda incansable de la perfección.

“AZ18 KORV”

COMENTARIO

“… arranca el amor cuando pongo los primeros colores, creo las primeras imágenes. Es un impulso similar al conocer una novia nueva, todo romance y cariño, son días buenos de sol.

Luego… el tedio de tener que terminar el cuadro. Se pierde el romance, el afecto, la cosa empieza a complicarse…” (Damián Ibarguren).

ROSARIO DE MATTOS

Fotografía de la artista Rosario de Mattos.

Profesora de Física y Química, Rosario de Mattos nace en la ciudad uruguaya de Tacuarembó y, en 1965, comienza a inclinarse hacia el mundo artístico lo que le lleva a formarse en los ámbitos de la escultura y la pintura asistiendo a los talleres de grandes maestros como, por ejemplo, Leopoldo Correa, Olga Piria,, Cléver Lara o Sergio Viera.

Aunque su inspiración artística radica en los sentimientos, ello no la aparta de una técnica depurada como consecuencia de su afán por renovarse y estar en permanente experimentación.

“Mundo tolerante”

La temática del primer periodo artístico de Mattos da especial importancia al paisaje urbano y rural.

Influencia por el impresionismo, en cuanto al color y la luz, en su última etapa apuesta por el arte abstracto por medio del cual pone de manifiesto su gran conocimiento del color, la luz y la forma.

“Filantropía”

Su obra, exhibida tanto en exposiciones individuales como colectivas, forma parte de colecciones privadas nacionales e internacionales.

Cabe destacar los tres referentes artísticos de esta pintora uruguaya: Rembrandt, Cézanne y Van Gogh.

VENEZUELA

EMILIANO BORGES

Fotografía del artista Emiliano Borges.

Arquitecto de profesión, Emiliano Borges exprime sus conocimientos sobre arquitectura y de diseño industrial y gráfico para emplear la pintura como un mecanismo investigativo, encaminado a utilizar la figura humana como parte primordial de su obra confiriéndole una importancia que va más allá de la que da a los rostros.

“Desnudo 5″

Docente y director de Arte en Barcelona, juega con los significados y los significantes dejando intuir más que mostrando y encaminando al público hacia interpretaciones personales.

Su producción artística se caracteriza por ser un estudio más sobre el artista que sobre el arte, en la que la tensión la consigue con las diferentes y diversas conjunciones cromáticas.

“Wannabe vian Monteroso”

La utilización de grafismos informales determina la obra de este artista, para quien la realidad externa es una mera variable que provoca la representación emocional.

JOE PALMAR

Fotografía del artista Joe Palmar.

El artista nace en la capital venezolana, Caracas, en donde estudia durante cinco años Diseño Gráfico e Industrial y en el Instituto de Diseño Perrera, de esta misma ciudad, en donde más tarde ejerce la docencia. En 2006, se traslada a Florida y estudia Fotografía en la Escuela de Arte de Boca Ratón.

Aunque en sus comienzos, Palmar trabaja como fotógrafo, la pintura pronto llama su atención y a ella decide aplicar sus conocimientos de aerografía.

“Luxo 1″

Influenciadas por la arquitectura y la mecánica industrial, en sus obras tienen una vital importancia el color y sus diferentes tonalidades que permiten que en ellas esté presente la armonía, casi de manera obsesiva.

A través de los colores, los efectos emocionales y psicológicos que predominan en su producción son patentes y, al mismo tiempo, determinantes para poner de manifiesto su propio desarrollo emocional, personal y profesional.

“Luxo 2″

COMENTARIO

“En la organización de la composición de mis obras se combinan la estética y la dinámica, lo que permite que el ojo fluya alrededor de mecanismos simulando movimiento continuo.” (Joe Palmar).

III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

“LABERINTOS DEL ARTE”

TEXTO DE CLAUSURA

Cartel de la III Cumbre de Arte Latinoamericana, “Laberintos del Arte”, realizado por la artista Beatriz Ansede Bonome.

Se clausura la III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MKAC y su exposición “LABERINTOS DEL ARTE”, en la que han participado 46 artistas de todas las nacionalidades de Latinoamérica, España y Portugal.

Con esta cumbre se completa el ciclo de un proyecto planificado y programado por la Dirección del MUSEO KARURA ART CENTRE desde comienzos del año 2009 y, que entre sus finalidades, tenía la de ofrecer una visión lo más completa posible del arte contemporáneo realizado es estos ámbitos geográficos; mostrando un elevado número de obras y de trayectorias profesionales que ayudasen a reflexionar y comprender los diferentes aspectos que lo componen.

De esta forma se han mostrado obras realizadas con diversas temáticas, recursos, técnicas, texturas y diferentes variables que atañen al mundo del arte y, por ende, a los artistas.

Con esta cumbre se concluye una fase en la que las tres cumbres realizadas en el museo, aunque poseían similares y diferentes objetivos y eran independientes entre sí, confortaban entre las tres un todo y han servido de complemento unas a otras.

La I Cumbre de Arte Latinoamericana del MKAC, realizada en el años 2009, y la exposición “Compartiendo Arte” nos mostraba la “superficie” del mundo artístico, es decir, aquel que es el evidente, el que muestra a los espectadores el trabajo final de un proceso creativo y no entraba en otras más personales e íntimas de los artistas.

Con la II Cumbre de Arte Latinoamericana del MKAC y su exposición “Viajeros del Arte”, efectuada en el año 2011, además de los objetivos patentes, se pretendió invitar a una reflexión más íntima y personal de los artistas. Una vertiente en la que se intentó poner de manifiesto las circunstancias y vericuetos que acompañan a los pintores antes de que su producción se enseñe al publico.

Las variables que influyen y atañen a situaciones de incertidumbre y nerviosismo que supone el embalaje y el transporte de las obras de arte y los planes y trámites a cumplimentar antes de emprender el viaje hacia cada espacio expositivo.

La III Cumbre de Arte Latinoamericana del MKAC y la muestra pictórica “Laberintos del Arte”, ha tenido como objetivo diferenciador dar un paso más y hacer hincapié en lo que acontece en la trastienda de los escenarios expositivos.

Unos espacios que muy pocos conocen, ya que están lejanos al público, y en el que se establecen un cúmulo de relaciones profesionales y, también, personales en las que convergen y divergen unos intereses que, unidos a las emociones y sensaciones que siempre acompañan a los artistas y a los gestores artísticos, pueden llegar a generar vínculos tensos y preocupantes que, en la mayoría de los casos, se solucionan gracias a la sensatez y sensibilidad de todos.

Mi agradecimiento a todos los artistas que, confiando en la Dirección del museo, han posibilitado la culminación de esta meta que, como se mencionaba en párrafos anteriores, se comenzó a caminar hace cinco años y que, desde el mismo día en que fue mentalmente concebida, pasó a ocupar un lugar preferente en la agenda del MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC).

Han participado en esta III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA y en su exposición “LABERINTOS DEL ARTE”, los 46 artistas cuyos nombres se mencionan a continuación por orden alfabético inverso:

Beatriz Ansede Bonome, (España, autora del cartel de la exposición)

Óscar Zapata, (Colombia)

Cesáreo Young, (Panamá)

Marcelo Vergara Martínez, (Chile)

Chico Tupynambá, (Brasil)

Cristina Troufa, (Portugal)

Iván Soto, (Honduras)

Ana Beatriz Sánchez, (Costa Rica)

Víctor Salvo, (Perú)

Amaya Salazar, (Rep. Dominicana)

Víctor Rodríguez, (México)

Juan Rivas Alfaro, (Nicaragua)

Carlos Rimassa, (Bolivia)

Olmedo Quimbita, (Ecuador)

Frances Picó, (Puerto Rico)

Herminia Pavón, (México)

Joe Palmar, (Venezuela)

Eugenia Ortigoza, (Paraguay)

Teobaldo Nina, (Perú)

Jean Philippe Moiseau, (Haití)

Arturo Montoto, (Cuba)

Manuel Montilla, (Panamá)

Eloy Mondragón, (Nicaragua)

Ricardo Migliorisi, (Paraguay)

Amado Melo, (Rep. Dominicana)

Rosario de Mattos, (Uruguay)

David Manzur, (Colombia)

Mamani Mamani, (Bolivia)

Ángeles Jorreto, (España)

Damián Ibarguren Gauthie, (Uruguay)

Luis Hernández Cruz, (Puerto Rico)

Romeo Galdámez, (El Salvador)

Ricardo Galán Urréjola, (España)

Víctor Florido, (Argentina)

Mynor Escobar, (Guatemala)

Alberto Cerritos, (El Salvador)

Fritzner Cedon, (Haití)

Antonio Carmo, (Portugal)

Emiliano Borges, (Venezuela)

Miguel Betancourt, (Ecuador)

Yovani Bauta, (Cuba)

Cristián Avilés, (Chile)

Gilberto Aquino, (Costa Rica)

Francisco Alvarado-Juárez, (Honduras)

Ermelinda Almeida, (Brasil)

Rodolfo Abularach, (Guatemala)

III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

“LABERINTOS DEL ARTE”

Cartel de la III Cumbre de Arte Latinoamericana del Museo Karura Art Centre, “Laberintos del Arte”, realizado por la artista Beatriz Ansede Bonome.

Vídeo de la III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MKAC y de su exposición “LABERINTOS DEL ARTE”. Cumbre artística organizada en el museo para conmemorar el “Día de la Hispanidad” y en la que participaron artistas de 23 países de Latinoamérica, de España y de Portugal.

Con la participación de 46 artistas se consigue ofrecer a través de todas las obras presentadas, dos obras por artista, una variada y rica muestra de estilos, temáticas, técnicas y recursos diversos y diferentes.

Esta Cumbre de Arte reunió a los artistas: Beatriz Ansede Bonome, (como autora del cartel de la exposición), Alberto Cerritos, Amado Melo, Amaya Salazar, Ana Beatriz Sanchez, Angeles Jorreto, Antonio Carmo, Arturo Montoto, Carlos Rimassa, Cesáreo Young y Óscar Zapata, Chico Tupynamba, Cristian Aviles, Cristina Troufa, Damián Ibarguren Gauthie, David Manzur, Eloy Mondragon, Emiliano Borges, Ermelinda Almeida, Eugenia Ortigoza, Frances Pico, Francisco Alvarado-Juárez, Fritzner Cedon, Gilberto Aquino, Herminia Pavon, Ivan Soto, Jean Philippe Moiseau, Joe Palmar, Juan Rivas Alfaro, Luis Hernandez Cruz, Mamani Mamani, Manuel Montilla, Marcelo Vergara Martínez, Miguel Betancourt, Mynor Escobar, Olmedo Quimbita, Ricardo Galan Urrejola, Ricardo Migliorisi, Rodolfo Abularach, Romeo Galdamez, Rosario de Mattos, Second Life, Teobaldo Nina, vídeos, Victor Florido, Victor Rodriguez, Victor SALVO, Yovani Bauta.

III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

“LABERINTOS DEL ARTE”

Cartel de la III Cumbre de Arte Latinoamericana del Museo Karura Art Centre, “Laberintos del Arte”.

1.- III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MKAC – “LABERINTOS DEL ARTE”: EXPOSICIÓN

http://mkac.wordpress.com/2014/01/20/iii-cumbre-de-arte-latinoamericana-del-mkac-viajeros-del-arte-exposicion

2.- III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MKAC – “LABERINTOS DEL ARTE”: VIDEO DE LA EXPOSICION

http://mkac.wordpress.com/2014/01/24/iii-cumbre-de-arte-latinoamerica-del-mkac-exposicion-laberintos-del-arte-video

3.- III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICA DEL MKAC – EXPOSICIÓN “LABERINTOS DEL ARTE”: ARTE Y CINE – VIDEOS

http://mkac.wordpress.com/2014/01/13/cinematografia-2

4.- III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MKAC – “LABERINTOS DEL ARTE”: CLAUSURA – TEXTO

http://mkac.wordpress.com/2013/12/23/iii-cumbre-de-arte-latinoamericana-del-mkac-laberintos-del-arte-clausura-texto

5.- III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICA DEL MKAC – EXPOSICIÓN “LABERINTOS DEL ARTE”: CLAUSURA – VELADA MUSICAL

http://mkac.wordpress.com/2013/12/22/iii-cumbre-de-arte-latinoamerica-del-mkac-exposicion-laberintos-del-arte-clausura-velada-musical-2

6.- III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICA DEL MKAC – EXPOSICIÓN “LABERINTOS DEL ARTE”: ENTREVISTA Y VIDEO

http://mkac.wordpress.com/2013/12/12/11843

7.- III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICA DEL MKAC – EXPOSICIÓN “LABERINTOS DEL ARTE”: VISITA GUIADA (I)

http://mkac.wordpress.com/2013/12/12/iii-cumbre-de-arte-latinoamerica-del-mkac-exposicion-laberintos-del-arte-visita-guiada-2

8.- III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MKAC – “LABERINTOS DEL ARTE”: “HOMENAJE A LA POESIA LATINOAMERICANA” (I)

http://mkac.wordpress.com/2013/12/05/iii-cumbre-de-arte-latinoamericana-del-mkac-laberintos-del-arte-presentacion-iii-cumbre-de-arte-latinoamericana-del-mkac-laberintos-del-arte

9.- III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MKAC – “LABERINTOS DEL ARTE”: HOMENAJE A LA POESIA LATINOAMERICANA (II)

http://mkac.wordpress.com/2013/12/12/iii-cumbre-de-arte-latinoamericana-del-mkac-laberintos-del-arte-homenaje-a-la-poesia-latinoamericana

10.- III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MKAC – “LABERINTOS DEL ARTE”: CONCIERTO DE KARMA AUER

http://mkac.wordpress.com/2013/11/27/iii-cumbre-de-arte-latinoamericana-del-mkac-laberintos-del-arte-concierto-karma-auer

11.- III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICA DEL MKAC – EXPOSICIÓN “LABERINTOS DEL ARTE”: VISITA GUIADA (II)

http://mkac.wordpress.com/2013/11/24/iii-cumbre-de-arte-latinoamerica-del-mkac-exposicion-laberintos-del-arte-visita-guiada

12.- III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICA DEL MKAC – EXPOSICIÓN “LABERINTOS DEL ARTE”: ARTE Y CINE

http://mkac.wordpress.com/2013/11/10/10980

13.- III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MKAC – “LABERINTOS DEL ARTE”: GUIA DE LA EXPOSICION

http://mkac.wordpress.com/2013/11/08/iii-cumbre-de-arte-latinoamericana-del-mkac-laberintos-del-arte-guia-de-la-exposicion

14.- III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MKAC – “LABERINTOS DEL ARTE”: VIDEO PUBLICITARIO

http://mkac.wordpress.com/2013/11/03/iii-cumbre-de-arte-latinoamericana-del-mkac-viajeros-del-arte-video-publicitario

15.- III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MKAC – “LABERINTOS DEL ARTE”: INAUGURACION

http://mkac.wordpress.com/2013/10/15/10703

16.- III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICA DEL MKAC – EXPOSICIÓN “LABERINTOS DEL ARTE”: PRESENTACION

http://mkac.wordpress.com/2013/10/10/iii-cumbre-de-arte-latinoamerica-del-mkac-exposicion-laberintos-del-arte-inauguracion

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

“MAR ADENTRO”

Cartel de la exposición “Mar adentro”.

PRESENTACION

El día 12 se inaugura en el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), la exposición “MAR ADENTRO”, ubicada en el edificio principal de sus instalaciones.

Muchos han sido los pintores, fotógrafos, artistas plásticos, y un largo etcétera, que han visto y ven en el mar su fuente de inspiración y ofrecen, a quienes contemplan sus obras, sus particulares visiones sobre él: un mar abrupto o agresivo, un mar en calma o en sosiego, un mar enfurecido o en reposo.

Todos ellos, quizás, haciendo alarde del conocimiento que poseen sobre el; sin embargo, nadie mejor que aquellos cuya existencia depende de sus aguas saben comprenden y entienden su autentica naturaleza: los marineros y pescadores.

La autora de estas instantáneas, ARLO, estable consciente o inconscientemente la línea divisoria que separa ese universo marino en dos mitades.

Por una parte, la que nos anima a disfrutar y a regocijarse cuando lo contemplamos y disfrutamos de su belleza, una visión de las personas que viven “mar afuera”, es decir, aquellas cuyas supervivencia y subsistencia depende del mar.

Pero ARLO, también nos invita a intentar ponernos en la piel de aquellas gentes que saben que se enfrentan a un titán o, tal vez, a una especie de amante seductora a la que se busca pero ante la que no hay que bajar la guardia.

El mar, o la mar como la llaman aquellos que en muchas ocasiones se juegan la vida faenando en sus aguas, no es tan sólo la balsa de aceite que ponen de manifiesto las fotografías seleccionadas por la autora. En sus profundidades y, también, en su superficie además de prevalecer la delicadeza y la hermosura surge los enigmático, lo misterioso y lo inescrutable.

Ahí radica esencia de “MAR ADENTRO”, en convocarnos a descubrir y meditar sobre, no sólo lo aparente sino, además, sobre lo que se esconde, tras la aparente calma, en las honduras y oscuridades de tanta belleza.

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

DE

YUNIEL DELGADO DEL CASTILLO

“EL SUEÑO DE LA RAZON PRODUCE MOUNSTROS”

Cartel de la exposición del artista Yuniel Delgado del Castillo, elaborado por el mismo, para la exposición en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

PRESENTACIÓN

El próximo martes, 19 de agosto, se abre al público en las instalaciones del MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), la exposición “EL SUEÑO DE LA RAZON PRODUCE MOUNSTROS” del artista cubano Yuniel Delgado del Castillo, cuya obra se encuentra diseminada por colecciones de Estados Unidos, Canadá, España, Francia, Alemania…

La exposición se ubica en la Sala Principal del museo.

DATOS BIOGRAFICOS

Yuniel Delgado del Castillo nace en la ciudad de La Habana, (Cuba), y desde que él lo recuerda se ha sentido atraído por la actividad artística.

La capacidad artística de este artista discurre hacia diferentes disciplinas del mundo del arte y, aunque se podría afirmar que siente especial predilección por la pictórica, ello le lleva a expresar sus emociones y sentimientos más personales utilizando, para la realización de sus creaciones por medio de diversas técnicas, materiales, recursos y formatos.

Su anhelo de conocimientos posibilita que se decida a estudiar y formarse en la escuela de mayor prestigio de Cuba, la Escuela Nacional de Bellas Artes “San Alejandro” de la capital cubana y a complementar su aprendizaje realizando cursos adicionales de Diseño y Publicidad, Ilustración y Fotografía Artística.

COMENTARIO

La obra de Yuniel Delgado del Castillo se podría encuadrar, en cuanto a temática, en un arte social y, en cierta medida de denuncia, a través deja fluir su imaginación y creatividad, planteando situaciones del mundo en el que vive pero sin olvidarse de su entorno más cercano sobre el cual nos convida a reflexionar y recapacitar.

Su obra está plagada de alusiones a su Cuba natal y de la esencia de los valores cubanos de los que, empleando la conceptualización y la simbolización hace alarde de una manera social y realista a través de los variopintos y distintos medios de los que se sirve.

Materiales insospechados, técnicas recurrentes, acrílicos, telas, óleos y pigmentaciones sorprendentes y excepcionales modelan el universo artístico del artista cubano quien se siente, particularmente, cómodo con las obras de gran formato; una dimensión que, en el propio verbo de Delgado del Castillo, le permiten “un mejor contacto con el público”.

ESTUDIOS PROFESIONALES

- Graduado de la Escuela Nacional de Bellas Artes San Alejandro.
– Cursos de Diseño y Publicidad, Escuela Nacional de Bellas Artes San Alejandro.
– Curso de Fotografía Artística, Escuela Nacional de Bellas Artes San Alejandro.
– Curso de Ilustración Artística, Escuela Nacional de Bellas Artes San Alejandro .

EVENTOS

Muestra de dibujos en el evento Cuba Baila, Centro Pro danza , Ciudad de la Habana, (2006).

EXPOSICIONES COLECTIVAS

Participación en la Bienal de la Habana en la cede de San Alejandro, (2012).

Rostros de la Ciudad, Maqueta de la Habana, Ciudad de la Habana, (2011).

Entre Amigos, Galería Mariano Rodríguez, Ciudad de la Habana, (2009).

Exposición por el Aniversario de la Escuela Nacional de Bellas Artes San Alejandro, (2008).

Incoherencias, Casa de la Cultura de Romerillo, Ciudad de la Habana, (2007).

Evento de lucha contra el Sida, Casa de la Cultura de Romerillo, Ciudad de la Habana, (2007).

Muestra de Artistas locales, Casa de la Cultura de Jaimanitas, Ciudad de la Habana, 2007).

La obra de Yuniel Delgado del Castillo se encuentra, además repartida por diferentes colecciones artísticas de Estados Unidos, Canadá, España, Francia, Alemania…

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

GUIA DE EXPOSICIONES

SEPTIEMBRE 2014

Logotipo del Museo Karura Art Centre, (MKAC).

EDIFICIO PRINCIPAL

EXPOSICION “EL SUEÑO DE LA RAZON PRODUCE MONSTRUOS” DE YUNIEL DELGADO DEL CASTILLO

La obra de Yuniel Delgado del Castillo se podría encuadrar, en cuanto a temática, en un arte social y, en cierta medida de denuncia, a través deja fluir su imaginación y creatividad, planteando situaciones del mundo en el que vive pero sin olvidarse de su entorno más cercano sobre el cual nos convida a reflexionar y recapacitar.

http://mkac.wordpress.com/2014/08/18/yuniel-delgado-del-castillo-exposicion-el-sueno-de-la-razon-produce-mounstros

EXPOSICION “BACK” DE OCEANIDA RESIDENT

En esta ocasión, la fotógrafa renuncia a mostrarnos la parte más cruda de la realidad para invitarnos a avanzar hacia su percepción particular del mundo creativo e inventivo a través de esta técnica en la que las imágenes son capturadas de manera duradera y perenne.

http://mkac.wordpress.com/2014/08/25/oceanida-resident-exposicion-back

“VERANO CON ARTE-2014″

En la Sala de Juntas del MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), podeis recoger el obsequio “veraniego” con el que la Dirección del museo quiere agradecer, a todos sus visitantes, su apoyo y fidelidad.

http://mkac.wordpress.com/2014/08/14/albert-sisley-verano-con-arte-2014

BOLETÍN INFORMATIVO DE MKAC, SEPTIEMBRE 2014

Boletín con información sobre 57 convocatorias de becas, bienales, concursos, premios… del mes de septiembre y cuya cuantía total suma 398.845 euros.

http://mkac.wordpress.com/2014/08/27/premios-pintura-fotografia-becas-boletin-informativo-del-mkac-septiembre-2014

EDIFICIO PETROV

EXPOSICION “I GUERRA MUNDIAL. 1914-1918: ARTE EN LAS TRINCHERAS”

La exposición “I GUERRA MUNDIAL. 1914-1918: ARTE EN LAS TRINCHERAS”, es una muestra artística en la que se hace patente la influencia de la I GUERRA MUNDIAL en el mundo del arte y en las vidas de los artistas de esa época y posteriores y que marca, un antes y un después, en la Historia del Arte.

http://mkac.wordpress.com/2014/08/09/i-guerra-mundial-1914-1918-arte-en-las-trincheras-exposicion

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

VI ANIVERSARIO

“MUSEO KARURA ART CENTRE, PASION POR EL ARTE”

Cartel del VI Aniversario del Museo Karura Art Centre, (MKAC), realizado por Oceanida Resident.

PRESENTACION

Se cumplen los seis primeros años del MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC). Setenta y dos mes dedicados a la difusión de las artes plásticas y a la difusión del Arte, en general, a través de decenas de exhibiciones con las que la Dirección del museo ha puesto especial empeño en ofrecer, al mundo, el mayor número posible de estilos, técnicas y recursos y en las que ha tratado de anteponer la calidad a otros criterios y factores.

Leal a los pactos sobre la responsabilidad, sensatez, formalidad y seriedad, que dicha Dirección se impuso como punto de partida hace seis años y en función de la filosofía y principales objetivos marcados, este espacio museístico ha ofrecido, a lo largo de este tiempo, una amplia oferta con la que ha intentado acercar el Arte a la sociedad y hacerlo de una forma más comprensible para el público, en general, y apelando a la generosidad y amplitud de miras de los expertos y agentes artísticos.

Mediante todas las muestras realizadas, se ha pretendido estimular la reflexión, el análisis y el sentido crítico de todos y cada una de las más de 100.000 personas que han visitado las instalaciones del museo desde el día en que este abrió sus puertas: el 18 de septiembre de 2008.

Otro de los afanes y metas marcadas, desde esos comienzos, ha sido apuntalar la realidad de que el Arte, y su creación, no surge por generación espontánea sino que, además, tiene una perspectiva transversal en la que convergen infinidad de causas y de circunstancias determinada por la sensibilidad y las experiencias vitales de cada artista y, evidentemente, por la época en la que les ha tocado vivir.

Bajo el epígrafe “MUSEO KARURA ART CENTRE, PASION POR EL ARTE”, la Dirección del museo ha realizado, durante estas últimas semanas, una especie de moviola o un viaje al pasado que le ha posibilitado asentar los aciertos pero también, y quizás esto sea mucho más importante, reflexionar sobre sus carencias y errores; un ejercicio indispensable para todo aquel que desee evolucionar y quiera huir de la rutina, la involución y el conformismo.

Gracias a este sano ejercicio de autocrítica, se han podido visualizar las 123 exposiciones organizadas y darse cuenta de que, si bien queda mucho recorrido por hacer y deficiencias por subsanar, la filosofía y objetivos antes mencionados perduran y que es esta firme permanencia, y la pasión, lo que permite seguir caminando.

Sin embargo, son los conceptos de variedad y pluralidad lo que ha desembocado en la organización y planificación de todo tipo de muestras: exposiciones colectivas, que han posibilitado un análisis comparativo sobre diversas conceptualizaciones del Arte; exposiciones individuales que, de manera sutil, no sólo han permitido una aproximación al quehacer individual de cada artista sino que, al unísono, nos ofrecieron la posibilidad de instruir sobre la sensibilidad y emotividad de cada uno de ellos; exposiciones temáticas, con las que se ha pretendido desmenuzar la Historia del Arte y avanzar hacia la génesis de cada movimiento o estilo artístico y averiguar su influencia en los que le sucedieron; exposiciones del fondo del museo, con las que se ha querido, como se menciona en líneas anteriores, mostrar la transversalidad del Arte y testimoniar el componente integrador y aglutinador del mismo.

Una idea que ha permitido que cada proyecto expositivo haya sido estructurado más allá del mero hecho de presentar las obras y, de la clásica creencia, de que una muestra debe limitarse a colgar cuadros de las paredes o a que cada instalación artística y performance deba permanecer de manera estática, y olvidada, en un espacio.

El fin último de las exhibiciones ha sido, además de mostrar una estética determinada, el de dar vivacidad y vitalidad propias a cada una de ellas y el desvelar y averiguar el cómo, el cuándo, el dónde y el por qué una obra de arte es engendrada, concebida y mostrada.

Este es, pues, el punto de partida de las diferentes actividades que se han organizado en torno a cada exposición, (visitas guiadas, conferencias, eventos musicales, debates, charlas…), y el criterio determinante para fomentar la colaboración y cooperación con otros colectivos artísticos y culturales que han aportado sus diferentes puntos de vista, y por lo tanto han propiciado un mayor enriquecimiento, sobre un ámbito de la existencia que humaniza, de manera sustancial y decisiva, las relaciones personales y sociales de los individuos, pueblos y naciones: el Arte.

Gracias a todos los que, con vuestro apoyo, conseguís que este proyecto avance y, en especial, a Oceanida Resident la autora del cartel de este VI Aniversario del MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC).

 Información sobre todas las exposiciones realizadas en las instalaciones del museo 

http://mkac.wordpress.com/2013/10/07/7-historico-general-cronologico-de-exposiciones-en-el-museo-karura-art-centre-mkac

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

“GENTERIO”

DE

DORIAN D. AGUERO

Cartel de la exposición “Genterío” de Dorian D. Agüero.

PRESENTACION

“En Cuba la vaca se ha convertido en un icono de prohibiciones y problemas judiciales. Su sacrificio ilegal ha llevado a personas a cumplir etapas muy largas de encarcelamiento. A partir de los años 1990, con la llegada del periodo especial en el país, este delito de hurto y sacrificio ilegal de ganado mayor, se fue incrementando cada vez más hasta nuestros días.

El animal fue adquiriendo una gran importancia debido al miedo de su desaparición, y el daño que pudiera causar esto en la economía cubana. Esta importancia que se le ha dado, ha saltado muchas barreras, llegándose a pensar que la vida de uno de estos animales es más importante que la de un ser humano.

Mi interés con estas piezas es el de darle una personalidad o humanización a cada uno de mis personajes .Debido a todo ello me trazo un objetivo al realizar mis obras, que es el de aumentar y sobrepasar esta importancia que se le ha dado al animal, llevándolo al extremo hasta que llegue al ridículo, por lo que planteo una visualidad nueva de la vaca, maquillándolas y colocándoles joyas y demás. Para convertirlas en modelos o personajes con una gran importancia dentro de la sociedad. Personas que muestran y marcan un modo de cultura, de folklore debido a sus atributos, o simplemente moda.” (Dorian Daniel Agüero).

La exposición se abre al público, en la Sala Principal del MUSEO KARURA ART CENTRE, hoy martes.

EXPOSICIONES
AÑO  2013-2014

Logotipo del Museo Karura Art Centre, (MKAC).

EXPOSICIONES ARTISTAS NO VIRTUALES

“III Cumbre de Arte Latinoamericana del MKAC”, (pintura, 12 de octubre de 2013).

“Mar Adentro” de ARLO, (fotografía, 12 de julio de 2014).

“El Sueño de la Razón Produce Moustros” de Yuniel Delgado del Castillo, (pintura, 18 de agosto de 2014).

EXPOSICIONES ARTISTAS VIRTUALES

“Back” de Oceanida Resident, (fotografía, 26 de agosto de 2014).

EXPOSICIONES FONDO DEL MUSEO

“I Guerra Mundial. 1914 – 1918; Arte en las Trincheras”, (pintura, exposición monográfica, 8 de agosto de 2014).

“MUSEO KARURA ART CENTRE, Pasión por el Arte”, (17 de septiembre de 2014. Antológica VI Aniversario del MUSEO KARURA ART CENTRE, MKAC).

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICIÓN

“CHE RETA PARAGUAY”

DE

BEATRIZ HOLDEN

Cartel de la muestra artística “Che Reta Paraguay” de Beatriz Holden, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

PRESENTACION

Beatriz Holden nace en Asunción, Paraguay, en una familia de artistas. Licenciada en Humanidades por la Universidad Católica de Asunción y Profesora Superior de Piano. Sigue cursos de Artes Plásticas en la Escuela de Bellas Artes. Su técnica es el óleo sobre tela. Su estilo, al principio realista, es actualmente impresionista y de a ratos, expresionista.

Su temática siempre destaca lo auténticamente paraguayo, ya sea en sus paisajes, flores, (varias de ellas en vías de extinción), frutas y en los prototipos más criollos, como por ejemplo, vendedoras de mercado, lavanderas, canillitas, canoeros, pescadores, cosecheros. Capta la expresión típica de cada trabajador/a, los movimientos, la pose; en las mujeres da especial énfasis al rostro estoico y de mucha fuerza de las paraguayas.

Esta exhibición se muestra en la Sala I del Museo Karura Art Centre, (MKAC).

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICIÓN

“CHE RETA PARAGUAY”

DE

BEATRIZ HOLDEN

Cartel de la muestra artística “Che Reta Paraguay” de Beatriz Holden, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

Beatriz Holden nace en la ciudad de Asunción, (Paraguay), en el seno de una familia de artistas; es hija del pintor Roberto Holden Jara, (1900-1984), y es madre de la también artista Virginia Rojas Holden.

La artista guaraní comienza su andadura en el mundo expositivo con la exhibición “Paraguay en Pinceladas”, en el año 2007, encaminándose desde esa fecha hacia la actividad creativa.

Tras obtener la licenciatura en Humanidades, por la Universidad Católica de Asunción, y realizar estudios de Piano Ciclo Superior, Holden comienza su formación artística en la Escuela de Bellas Artes.

Desde siempre siente predilección por óleo técnica en la que se cómoda y que maneja a la perfección. La temática representada en sus lienzos está claramente identificada y unida a sus raíces paraguayas, haciendo de ellos una especie de bandera sobre las costumbres y sentir guaraní.

Fotografía de la artista guaraní Beatriz Holden.

De esta forma, sus frutas, paisajes, flores, vendedoras de mercado, pescadores, lavanderas, campesinos, y un largo etcétera, se transforman en una de las señas de identidad de la producción de la pintora quien capta, con detalle y precisión, cada gesto, rasgo y movimiento de todo lo que su entorno le conduce a plasmar en las telas.

Con un estilo que comenzó siendo realista en la actualidad éste oscila, por momentos, entre el impresionismo y el expresionismo.

CRITICA

“En las pinturas pueden observarse una vocación inequívoca por el arte tradicional y representativo del paisaje, la naturaleza muerta o la figura humana de sesgo costumbrista. Oscilando entre un impresionismo tardío, y de a ratos levemente expresionista, la artista también explora las posibilidades del hiperrealismo…”, ( Fernando Moure, crítico de arte).

ACTIVIDAD ARTISTICA

Comprometida con el arte, la artista fue Coordinadora de Artes Plásticas del Grupo “Amigos del Arte”, creado en 1947 por una serie de artistas que deseaban potenciar e impulsar el arte y la cultura de Paraguay, ocupando la Presidencia durante el período 2008-2010.

Holden pertenece, además, a la Comisión Directiva del “Centro de Artistas Plásticos de Paraguay”; cargos a través de los cuales ha dedicado buena parte de su labor a la gestión cultural organizando eventos artísticos y culturales y siendo parte del Jurado de premios y concursos, ocupación que no le impide, al mismo tiempo, realizar exposiciones individuales y participar en otras muestras o proyectos pictóricos colectivos.

MAS INFORMACION EN:

https://mkac.wordpress.com/2015/03/29/beatriz-holden-exposicion-che-reta-paraguay

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

“VESTIGIOS DEL TROPICO”

Crtel de la exposición, en el Museo Karura Art centre, “Vestigios del Trópico” del artista panameño Manuel Montilla.

PRESENTACION

“Vestigios del Trópico” es la nueva exposición que se inaugura, el día 4 de junio, en las instalaciones del MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), y que lleva la rúbrica del artista panameño Manuel E. Montilla, miembro fundador del Proyecto “Arte del Hierro”, de la Pinacoteca de Arte Contemporáneo de Chiriquí, (Panamá) e impulsor de la Fundación para las Artes Montilla e Hijos.

Nacido en 1950, este artista plástico es un diáfano representante del quehacer multidisciplinar que le ha encaminado a ser miembro destacado de la sociedad cultural y artística de su país, Latinoamérica y Europa, continente, este último, con el que siempre ha establecido lazos y vínculos artísticos.

Curator, gestor cultural, diseñador gráfico, investigador visual, restaurador, editor de libros alternativos y poeta, Montilla es una especie de “rara avis”, poco común, en el cosmos creativo y artístico, con una extraordinaria capacidad de acción, que hace factible su diferenciación con otras personas y agentes vinculados al mundo del arte, y con una implacable dedicación a la promoción de las artes y de la cultura.

Artista didáctico, designado en 1978 Técnico en Artes Plásticas por la Escuela Nacional de Artes Plásticas, (ENAP), focaliza su actividad productiva no sólo hacia el arte pictórico sino, también, hacia la escultura, el dibujo, la serigrafía, la ilustración, el collage, la fotografía…

Montilla es miembro de la Academia Europea de Ciencias, Artes y Letras de Francia y de la Asociación Difusora Obra Gráfica Internacional, entre otras instituciones.

“Vestigios del Trópico” está formada por las series “Huellas del Trópico”, “Bitácoras del Trópico”, “Noches del Trópico”, “Lluvias del Trópico” y “Flores del Trópico”.

CARACTERISTICAS DE SU OBRA

La obra de Manuel E. Montilla es difícil de encuadrar dentro de un estilo artístico concreto. Posiblemente sea su diversidad creativa la que pondere esta circunstancia o por su amplia conceptualización del arte o porque, a mor de estudiar la generalidad de su obra, se aprecia en ella una inclinación perenne a la ejecución instintiva de un cuadro, una escultura, una fotografía o un collage, por mencionar, únicamente, cuatro de los territorios en los que el artista panameño se siente cómodo.

Una comodidad que quienes visualizan cualquiera de sus creaciones intuyen que le dirige a un placer en el que el medio es, para él, un simple transmisor entre el artista y su entorno más inmediato o más lejano.

Pero, si en algún aspecto se siente realmente confortable es en el de la técnica mixta y en el de la obra de pequeño formato. En la primera, porque como él mismo afirma “desde el inicio conté con pocos materiales de los que se suelen denominar “nobles”” lo que le condiciona realizar sus obras con materiales de desecho y objetos industriales que le conminan a sentirse identificado con el “arte povera”, es decir, con aquel que utiliza elementos “pobres” fáciles de conseguir y que al artista no le importa reciclar y reconvertir: “al final, se crea por placer y parte de eso es sentir que se hace el mejor trabajo que nuestras manos pueden robarle al cerebro y a la sensibilidad. Así que trabajar en técnicas mixtas, mezclando lo que se nos ocurre y encontremos a mano, es consustancial a mi periplo vital como creador”, (Manuel E. Montilla).

En cuanto al segundo, la creación en pequeño formato, aunque el artista nunca descarta la producción de grandes murales, se convierte en una especie de reto para él por las facilidades y las múltiples y polifacéticas posibilidades que él mezcla y combina.

Considera el pequeño formato como una opción por medio de la cual puede evidenciar la existencia de diferentes visiones y estados anímicos; el pequeño espacio le permite finiquitar inmediatamente su obra o, por el contrario, convertirlo en una obra imperecedera y mutante que siempre se puede concluir y rematar cuando, el alto grado de su perfeccionismo, lo considere oportuno.

PREMIOS

Entre otros, Manuel E. Montilla ha recibido los siguientes premios y menciones:

Condecoración Paleta de Oro ENAP, (Panamá, 1979).

Primer Premio y Medalla de Oro, Concurso Colgate-DOIP, (Panamá, 1979).

Primer Premio del Concurso Nacional de Pintura, (Panamá, 1983).

Primer Premio del Concurso Arte Joven de Vanguardia Grumbacher, (Panama, 1984).

Primer Premio del Concurso Nacional de Pintura, (Panamá, 1990).

Primer Premio del Concurso Nacional de Pintura “Arte sobre Papel”, (Panamá, 1993).

Primer Premio del Concurso Nacional de Pintura “Arte sobre Papel”, (Panamá, 1998).

Honorable Mention en la II NBC Tokyo Biennale, (Japón, 2009).

Tercer Premio en el Concurso Nacional de Pintura “Roberto Lewis”, (Panamá, 2010).

Reconocimiento al Mérito en las Artes y la Cultura, (Panamá, 2013).
Seleccionado en la Convocatoria Internacional para el Proyecto Portas Abertas Fundación “Eugenio de Almeida”, (Portugal, 2013).

Honorable Mention en la IV NBC Tokyo Biennale, (Japón, 2013).

FUNDACION PARA LAS ARTES MONTILLA E HIJOS

En 2003 se crea, de la mano de Manuel E. Montilla, la Fundación para las Artes Montilla e Hijos, un proyecto con el que el artista ve culminada una de sus máximas aspiraciones y cuya finalidad es la de la difusión y la propagación de un patrimonio cultural acumulado durante décadas y cuyo objetivo es la conservación de un legado imprescindible para la comprensión del arte en el área de Mesoamérica.

Desde su aparición esta fundación abarca, además, la inagotable y complicada tarea de mostrar, trasmitir y promocionar tanto el arte producido en Panamá, y más concretamente en su adorada Chiriquí, como el generado en otros lugares.

Otra de las metas de este organismo es la de gestionar, planificar y organizar muestras y exhibiciones, dentro y fuera del país, que sirvan como promotoras de artistas consolidados pero, también, emergentes.

INFORMACION RELACIONADA:

https://mkac.wordpress.com/2013/12/02/manuel-montilla-iii-cumbre-de-arte-latinoamericana-del-mkac-exposicion-laberintos-del-arte

https://mkac.wordpress.com/2014/01/20/iii-cumbre-de-arte-latinoamericana-del-mkac-viajeros-del-arte-exposicion

https://mkac.wordpress.com/2013/10/10/iii-cumbre-de-arte-latinoamerica-del-mkac-exposicion-laberintos-del-arte-inauguracion

https://mkac.wordpress.com/2014/09/09/manuel-montilla-exposicion-recomendacion

https://mkac.wordpress.com/2013/12/07/manuel-montilla-honorable-mention-nbc-tokyo-bienale-japon

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

“INTROSPECCION CRITICA”

DE

CRISTINA TROUFA

PRESENTACION

Cartel de la exposición “Introspección Crítica”, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), de la artista portuguesa Cristina Troufa.

“INTROSPECCION CRITICA” es el nombre de la exposición que la artista Cristina Troufa, nacida en Porto, (Oporto, Portugal), presenta en el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), a partir del próximo día 1 de julio.

En ella nos ilustra sobre el significado último de su peculiar y personal trayectoria profesional en la que, desde siempre, ha buscado en los interiores de su persona a la vez que, con gran maestría, desmenuza su lado más profundo e intimo, el lado más emocional, psicológico y espiritual.

Licenciada en Artes Plásticas por la Universidad de Porto, (FBAUP), Cristina Troufa nos facilita, mediante sus cuadros, el camino por el que debemos transitar para invadir, con un profundo conocimiento, sus pensamientos, creencias y, lo que es más complicado e inverosímil en cualquier persona, en su propia vida. Se despoja, de esta forma y mediante sus lienzos, de las vestiduras y los ropajes, aplicados ambos términos de forma metafórica, con los que los seres humanos decidimos ocultarnos ante la mirada, indiscreta o no, de extraños y desconocidos.

La pintora ha presentado su obra en exposiciones, individuales y colectivas, en diferentes espacios expositivos de diferentes países y ciudades, nacionales e internacionales, entre los que cabe destacar Dinamarca, Italia, España, Portugal, Francia o Canadá y ha sido un objetivo de diferentes medios de comunicación de Portugal, Australia o Estados Unidos.

MAS INFORMACION EN:

https://mkac.wordpress.com/2013/12/11/cristina-troufa-iii-cumbre-de-arte-latinoamericana-del-mkac-exposicion-laberintos-del-arte

https://mkac.wordpress.com/2014/01/24/iii-cumbre-de-arte-latinoamerica-del-mkac-exposicion-laberintos-del-arte-video

https://mkac.wordpress.com/2014/01/20/iii-cumbre-de-arte-latinoamericana-del-mkac-viajeros-del-arte-exposicion

https://mkac.wordpress.com/2013/12/23/iii-cumbre-de-arte-latinoamericana-del-mkac-laberintos-del-arte-clausura-texto

https://mkac.wordpress.com/2013/10/10/iii-cumbre-de-arte-latinoamerica-del-mkac-exposicion-laberintos-del-arte-inauguracion

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

HISTÓRICO CRONOLOGICO DE EXPOSICIONES

Logotipo del Museo Karura Art Centre, (MKAC).

AÑOS  2008-2014

1.- “Un Paseo por el Arte”, (exposición inaugural del Museo Karura Art Centre – 17 de septiembre de 2008)

2 – “Halloven RL /SL” de Raimon Cazalet, (fotografía – 27 de Octubre de 2008)

3.-  “Arte Fractal” de Morrygan May, (cuadros – 24 de noviembre de 2008)

4.-  “Woman” de Aleixandre Biedermann, (fotografía – 3 de diciembre de 2008)

5.- “60º Aniversario de la Declaración de los derechos Humanos”, (cuadros – 10 de diciembre de 2008)

6.- “De los Campos de Algodón al Despacho Oval ” , (fotografía – 5 de enero de 2009)

7.- “Provocation” de Punkia Sáenz, (cuadros – 7 de febrero de 2009)

8.- “Comic Girls” de Noke Yuitza, (escultura y cuadros – 9 de febrero de 2009)

9.- “Estaciones del Año”, (pintura, 28 de julio de 2009)

10.- “Blanco, negro y color” de Xavier Magalhaes, (dibujo – 12 de abril de 2009)

11.- “Zodiac”, (grabado, 13 de marzo de 2009)

12.- “Betty Boop” (fotografía – 5 de febrero de 2009)

13.-  “Cai Denimore´Art” de Cai Denimore, (escultura – 12 de febrero de 2009)

14.-  “Arte Abstracto” de Marion Murni, (cuadros – 28 de febrero de 2009)

15.- “NosotrAs También Existimos” (conmemoración del “Día Internacional de la Mujer”, (cuadros – 8 de marzo de 2009)

16.-  “Zhora Manard: Fly and Feel” de Zhora Mayland, (escultura – 11 abril de 2009)

17.- “Arte y Esclavitud”, (pintura, 1 de Octubre de 2009)

18.- “Vacios” de Manuel Granados, (fotografía – 7 de enero de 2009)

19.- “Gleman Jun:.:Artist Italian:.” de Gleman Jun, (cuadros – 5 de mayo de 2009)

20.–  “Imágenes” de Naky Neox, (cuadros – 18 de mayo de 2009)

21.- “Interpretaciones”, (pintura, 17 de octubre de 2009)

22.-“Un año con Arte”, (1 de septiembre de 2009)

23.-“Exhibition of the Permanent Collection” del “Davis Lisboa, (1 de septiembre de 2009)

24.- II CUMBRE “Compartiendo Arte”, (colectiva), (12 de octubre de 2009)

25.- “¡Caminemos! Derechos Humanos”, (fotografía, 10 de octubre de 2009)

26.- “Óleos” de Luciella Lutrova, (pintura, 14 de enero de 2010)

27. – “El lenguaje del Desnudo”, de Tanee Almendros, (fotografía, 21 de enero de 2010)

28.- “BAUHAUS. ESCUELA DE CREATIVIDAD” (27 de enero de 2010)

29.- “Entre Aguas” de Mariu Attila, (fotografía, 2 de febrero de 2010)

30.- “Sinfonía de colores” de Enriqueta Hueso, (pintura, 8 de marzo de 2010)

31.- “Caprichos Alegóricos” Giuseppe Arcimboldo, (19 de marzo de 2010)

32.- “Espacios sin tiempo” de Mriose Lusch, (pintura, 30 de marzo de 2010)

33.- “Contrasta” de Mónica Seoane Lomba, (ilustración, 15 de marzo de 2010)

34.- “Una Década de Cundiamores” de Orlando Castro Ortiz, (pintura, 22 de marzo de 2010)

35.- “The Collision of Prim” de Aethan Blaisdale, (pintura, 23 de abril de 2010)

36.- “ConFusión” de Abso Zlatkis, (fotografía, 17 de mayo de 2010)

37.- “Museos para la Armonía Social” – “Museos del Mundo” (18 de mayo de 2010)

38.- “El Objetivo con Alma” de Lucrecia Savira, (fotografía, 20 de mayo de 2010)

39.- “Con Trazos Firmes” de Juan José Rodríguez, (pintura, 1 de junio de 2010)

40.- “Exposición Universal de Shanghai 2010”, (21 de junio de 2010)

41.- “Mediterráneo” de Joan Raset, (pintura, 1 de julio de 2010)

42.- “466/64. Robben Island” (1 de julio de 2010)

43.- “Viaje a Efeso” de Ramón Trigo, (pintura, 10 de julio de 2010)

44.- “Palabras en Blanco y Negro” de Herenvardo Waco, (fotografía, 12 de julio de 2010).

45.- “Abstractions and Expressions” de Aethan Blaisdale , (pintura, 30 de junio de 2010)

46- “En busca del Arte”, (17 de septiembre de 2010)

47.- “Ingenio Latino”, (12 de octubre de 2010)

48.-“Capricho Español” de Lucrecia Savira, (3 de noviembre de 2010)

49.-  “El Valor del Arte”, (16 de noviembre de 2010)

50.- “Enigmas Infográficos” de Juan Aguilar, (26 de noviembre de 2010)

51.- “Espejismo Poético” de Jocgart Larsen, (29 de noviembre de 2010)

52.- “Poesías Sin Palabras” de Dogma Zeehetbauer, (9 de diciembre de 2010)

53.- “Sardegna, Terra di Mio Padre” de Walterino Bellic, (13 de Diciembre de 2010)

54.- “El Bosque de Fávilas” de Xavier Magalhaes. ( 21 de enero de 2011)

55.- “Las Cosas  de Alge” de Algezares Magic, (24 de enero de 2011)

56.- “Composiciones Geométricas” de Gabriel Sencial (29 de enero de 2011)

57.- “Aires da Miña Terra” de Xosé Luis Otero, (29 de enero de 2011)

58.- “Mujer Arte y Poder” , (exposición colectiva, 8 de marzo de 2011)

59.- “New York City, SL” de Melly Treves, (9 de mayo de 2011)

60.- “Espacios Limpios” de Antonio Arcones. (13 de mayo de 2011)

61.- “Día Internacional de los Museos. Museo y Memoria”, (18 de mayo de 2011)

62.- “Hombre, Pájaro y Felino” de Óscar Flores, (pintura, 20 de mayo de 2011)

63.- “Comanches de Sol”, (5 de junio de 2010)

64.- “Pintoras para la Historia”, (junio de 2011)

65- “Lorca, Tú Puedes”, (campaña solidaria con Lorca, Murcia)

66.- “Girlographyc” de Abso Zlakis. (4 de julio de 2011)

67.- “Rosa Montero: Backstage”, (fondo del museo)

68.- “The Aesthetic of Charge” de Davis Lisboa, (11 de Julio de 2011)

69.- “Códigos Visuales” de José Sevillano, (14 de julio de 2011)

70.- “Paisajes de Second Life” de Eithne7 Hunniton, (18 de julio de 2011)

71.- “Basura Limpia, (fotografía, exposición colectiva, 25 de Julio de 2011)

72.- “MKAC, Arte en Movimiento”, (1 de septiembre de 2011)

73.- II CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MKAC – Exposición  “Viajeros del Arte”, (pintura, exposición colectiva, 12 de octubre de 2011, “Día de la Hispanidad”)

74.- “NO SMOKING!!!”, (pintura, 20 de enero de 2012)

75.- “Metamorfosis Geoespacial” de Alberto D´Assumpaçao, (pintura, 23 de enero de 2012)

76.- “Pandora”de Morlita Quan, (montaje artístico, 16 de enero de 2012)

77.- “Incógnitas Reveladas” de Jean Philippe Moiseau, (pintura, 31 de enero de 2012)

78.- “Agrupaciones Cósmicas” de Sudhir Deshpande, (pintura, 20 de febrero de 2012)

79.- “Luna” de Siete Sands, (fotografía, 1 de marzo de 2012)

80.- “Antología – Bestiario” de Tanee Almendros, (fotografía y diseño, 8 de marzo de 2012)

81.- “El pasado del presente”, (pintura, 8 de marzo de 2012)

82.- “Atmósferas de Ayer y Hoy” de George Wirth, (pintura, 13 de abril de 2012)

83.- “Esquisses” de Dantelicia Ethaniel, (fotografía, 16 de abril de 2012)

84.- “Lienzos y Libros: una trayectoria común”, (pintura, 23 de abril de 2012, “Día Internacional del Libro”)

85.- “Pinturas de Haití” de Cassandro Leonidas, (pintura, 30 de abril de 2012)

86.- “Museo Thyssen-Bornemisza: 20 años de arte”, (pintura, 18 de mayo de 2012)

87.- “Impresiones” de Oceanida Resident, (fotografía, 4 de junio de 2012)

88.- “Arte desde el Alma” de Natalia Gromicho, (pintura, 4 de julio de 2012)

89.- “Erótica” de Vark Twine, (fotografía, 4 de julio de 2012)

90.- “Vermeer y sus mujeres”, (pintura, 4 de julio de 2012)

91.- MKAC – “Arte: Presente y Futuro”, (17 de septiembre de 2012. Antológica IV Aniversario del MUSEO KARURA ART CENTRE, MKAC)

92.- “La Fresh Gallery”, (exposición monográfica, 17 de septiembre de 2012)

93.- “Ethereal” de Morlita Quan, (montaje artístico, 23 septiembre de 2012)

94.- “Identidades Transitorias” de Yoel Díaz Gálvez, (pintura, 12 de noviembre de 2012)

95.- “Los Falsos/ Fake Art” de Noke Yuitza, (montaje artístico, 19 de noviembre de 2012)

96.- “Muñecas de Hielo” de Vicky Carpathia, (pintura, 6 de diciembre de 2012)

97.- “Día Internacional de los Derechos Humanos”, (exposición monográfica, 10 de diciembre de 2012)

98.- “My Voice Counts” de Morlita Quan y Cherry Manga, (montaje artístico, “Día Internacional de los Derechos Humanos, 10 de diciembre de 2012)

99.- “In Tinta Inchiostro” de Watts B. Resident, (pintura y dibujo, 15 de enero de 2013)

100.- “El Universo Canals” de Juan Canals Carreras, (pintura, 24 de enero de 2013)

101.- “Psycho” de Tanee Almendros, (fotografía, 8 de febrero de 2013)

102.- “Ward” de Oceanida Resident, (fotografía, 15 de febrero de 2013)

103.- “Simbología Telúrica” de Sonaira Piñero, (pintura, 28 de febrero de 2013)

104.- “Reflejos del Tiempo” de Leopoldo González Andrades, (pintura, 18 de marzo de 2013)

105.-“Donde Habita el Olvido” de Illargi Dover, (fotografía, 22 de abril de 2013)

106.- “Desahucios, el adiós a los sueños”, (fotografía, 15 de abril de 2013)

107.- “Hambre” de Oceanida Resident, (fotografía, 6 de mayo de 2013)

108.- “Día Internacional de los Museos”, (exposición monográfica “Museo Guggenheim de Bilbao, 18 de mayo de 2013)

109.- “Un Mundo Diferente”, (fotografía, 2 de junio de 2013)

110.- “Poemario Visual” de Eduardo Romaguera, (diseño y pintura, 4 de junio de 2013)

111.- “Peste” de Oceanida Resident, (fotografía, 10 de junio de 2013)

112.- “Juan Fernández. Naturalezas Muertas”, (pintura, 18 de junio de 2013)

113.- “Memoria Segmentada” de Natalia Velit, (pintura, 3 de julio de 2013)

114.- “Muerte” de Oceanida Resident, (fotografía, 1 de agosto de 2013)

115.- “Ilusiones Oníricas” de Didier Galindo, (pintura, 5 de agosto de 2013)

116.- “Binomios Vinaver” de Noelia Vinaver, (pintura, 11 de agosto de 2013)

117.- MKAC – “Cinco Años Juntos”, (17 de septiembre de 2013. Antológica V Aniversario del MUSEO KARURA ART CENTRE, MKAC)

118.- “Flamenco” de Aprendix Xaris, (21 de septiembre de 2013)

119.- III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MKAC – Exposición “Laberintos del Arte”, (pintura, exposición colectiva, 12 de octubre de 2013, “Día de la Hispanidad”).

120.- “Mar Adentro” de ARLO, (fotografía, 1 de julio de 2014).

121.- “I Guerra Mundial. 1914-1918: Arte en las Trincheras”, (pintura, 9 de agosto de 2014).

122.- “El Sueño de la Razón produce Mounstros” de Yuniel Delgado del Castillo, (pintura, 19 agosto de 2014).

123.- “Back” de Oceanida Resident, (fotografía, 26 de agosto de 2014).

124.- “MUSEO KARURA ART CENTRE, Pasión por el Arte”, (17 de septiembre de 2014. Antológica VI Aniversario del MUSEO KARURA ART CENTRE, MKAC).

125.-“Metaverso Fractal” de Red Bikcin, (fotografía, 2 de octubre de 2014).

126.- “Genterío” de Dorian Daniel Agüero Castillo, (pintura, 7 de octubre de 2014).

127.- “El Greco. El Griego de Toledo” (pintura, exposición monográfica, 18 de octubre de 2014).

128.- “Apocalipsis” de Oceanida Resident, (fotografía, 4 de diciembre de 2014).

129.- “Abstractus” de Vark Twine, (pintura, 23 de marzo de 2015).

130.- “Toulouse-Lautrec: Montmartre era una fiesta”, (pintura y diseño, 26 de marzo de 2015).

131.- “Che Reta Paraguay”, de Beatriz Holden, (pintura, 29 de marzo de 2015).

Ultima actualización: 3 de julio de 2015.

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

“INTROSPECCION CRITICA”

DE

CRISTINA TROUFA

Cartel de la exposición “Introspección Crítica”, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), de la artista portuguesa Cristina Troufa.

COMENTARIO

La obra de Cristina Troufa podría ser calificada, por los estudiosos del arte, como una pintura figurativa surrealista, en la que rige la técnica acrílica por encima de muchas otras, y en la que para quienes contemplan y admiran sus cuadros realizan, al mismo tiempo, un análisis sobre su propia biografía, espiritualidad y sus propias vivencias y experiencias.

Lo harán, sin duda, de la misma manera con la que repasan y ojean un profundo tratado de psicología, evolutiva y humana, y se introducirán en la lectura de un intenso libro de ensayo. Observarán las pinturas de esta artista portuguesa e irán realizando, simultáneamente, una introspección en la que cada obra visualizada será como si pasarán la página de ese vademécum, deseando finalizarla prestamente para adentrarse en la siguiente.

Percibirán, también, y aprenderán al lado de Troufa como sus conocimientos sobre la psique humana no cesan de aumentar a medida que leen una página tras otra o en este caso, y lo que es lo mismo, cuando miren una de sus obras tras otra.

Todo ello debido a que la propia artista “es” un exhaustivo y completo estudio de la complejidad humana a través de el propio estudio y análisis que ella realiza sobre sí misma, sobre su autocuestionamiento, en alguna ocasión algo despiadado, que la conduce a una cuasi perfección sobre quién es y sobre cuales son sus emociones, vivencias, desasosiegos y turbaciones.

Hay, por supuesto, un denso escrutinio sobre su entorno, más cercano y más lejano, porque no hemos de olvidarnos de la parte más formal de su creación y producción artística; la menos íntima en la que las manifiestas habilidades técnicas y pictóricas de esta portuguesa consiguen representar emociones como el pánico, el miedo, la incertidumbre… llegando a perturbarnos y, en cierto modo, a exigirnos que pasemos a una nueva página para que visualicemos nuestro interior; un interior que la artista desea que desmenucemos interrogándonos e interpelándonos a nosotros mismos.

Curiosas y llamativas resultan las estructuras y configuraciones con las que, Cristina Trofa, trata de compensar esas connotaciones menos positivas que emanan de sus cuadros con otras en las que la confusión, la consternación y el aturdimiento no tienen cabida.

Con un dominio y control, dignos de quien se autoexamina con valentía e intrepidez, la pintora nos arranca una sensación de alivio y tranquilidad, que se convierte en una bocanada de aire fresco, cuando descubrimos que en sus composiciones también hay lugar para la distensión y la relajación. Es así cuando disfrutamos y saboreamos sus imágenes cotidianas, distendidas, alegres, triviales y comunes a raíz de la representación de un juego, un columpio o con la sencilla presentación de una imagen de la artista atándose el cordón de un zapato.

Es entonces cuando el círculo se cierra de nuevo y nos conduce, invariable e inexcusablemente, a una nueva introspección y a anhelar y ambicionar pasar una nueva página del libro de Cristina Troufa.

MAS INFORMACION EN:

https://mkac.wordpress.com/2015/06/30/cristina-troufa-exposicion-introspeccion-critica

https://mkac.wordpress.com/2013/12/11/cristina-troufa-iii-cumbre-de-arte-latinoamericana-del-mkac-exposicion-laberintos-del-arte

https://mkac.wordpress.com/2014/01/24/iii-cumbre-de-arte-latinoamerica-del-mkac-exposicion-laberintos-del-arte-video

https://mkac.wordpress.com/2014/01/20/iii-cumbre-de-arte-latinoamericana-del-mkac-viajeros-del-arte-exposicion

https://mkac.wordpress.com/2013/12/23/iii-cumbre-de-arte-latinoamericana-del-mkac-laberintos-del-arte-clausura-texto

https://mkac.wordpress.com/2013/10/10/iii-cumbre-de-arte-latinoamerica-del-mkac-exposicion-laberintos-del-arte-inauguracion

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

“LAS GALOPERAS”

DE

LILIANA SEGOVIA

Cartel de la exhibición de Liliana Segovia “Las Galoperas”.

PRESENTACION

El próximo día 3 de septiembre, miércoles, se inaugura en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), la exposición “Las Galoperas” de la artista guaraní Liliana Segovia, en la que a través de una veintena de obras su creadora nos muestra, en detalle, una minuciosa selección de una importante parte del sentir de su país, Paraguay.

“Las Galoperas”, mujeres paraguayas que bailan la danza de la galopa, que mueven sus pies y cimbrean sus cinturas al ritmo de la danza “La Galopa” o “La Galopeada” instrumentalizada por la nada koyguá a partir de seis instrumentos: el bajo, la trombota, el clarinete, la caja, los platillos y el trombón. Escenifican y encarnan, además, los vínculos y conexiones entre dos culturas como la española y la guaraní simbolizadas en la mujer paraguaya a las que se considera transmisoras de una cultura mestiza y llena de riqueza.
Segovia recurre, pues, al folklore paraguayo para erigirse en un sólido y concluyente portavoz no sólo de la mujer guaraní sino que también, y por extensión, de todo un pueblo.

Sin embargo, no hallaremos en la obra de la artista los tópicos y las representaciones manidas y habituales, a las que es fácil sucumbir, cuando se trata de plantear y desarrollar esa parte de la vida de las naciones. Por el contrario, en contraposición a ese cliché la pintora invoca a un arte en el que las líneas danzan o, como en esta ocasión, hacen danzar a las galoperas imbuidas en sus amplios y coloridos atuendos; unos estilizados trazos que permiten a la artista tropezar y encontrar la excusa perfecta para desplegar todo su extenso conocimiento sobre el color, las formas y, mediante ellos, el movimiento con el que, gracias a sus galoperas, inunda sus lienzos.

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

“LLAMARE ANTES DE ENTRAR”

DE

ALICIA LARSSON

Cartel de la exposición “Llamaré antes de entrar”, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), de la artista sueca Alicia Larsson.

PRESENTACION

El día 20 de octubre, se inaugura en el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), la exposición “Llamaré antes de entrar” de la artista Alicia Larsson; algo más de una veintena de obras llegan, por primera vez, al museo en el que dejará, sin duda, su huella.

La producción de esta pintora, nacida en Suecia, está impregnada de un fuerte lenguaje visual poseedor de significaciones propias y en el que la forma, representación, estructura y composición se ponen al servicio y se subordinan al color del que Larsson se sirve para arrancar la parte más esencial del arte.

“Llamaré antes de entrar” hace, además, referencia de manera “sibilina”a la vitalidad y contundencia de las líneas y trazos, del vigor y la firmeza de unas pinceladas que invaden los lienzos y al ímpetu y resolución con que las distribuye y ordena.

Es como si la artista sueca tuviera que pedir permiso y autorización, de manera tímida a la vez que educada, cada vez que una de sus obras se pone ante nuestra mirada en un espacio expositivo o en una estancia particular.

De alguna manera, su obra anuncia y comunica que cada vez que este hecho se produce, que cada vez que uno de sus cuadros llega a su destino, Larsson elude y esquiva toda su responsabilidad de las consecuencias que la intensidad de los colores que utiliza y de la impetuosidad de los rasgos y trazos puedan ocasionar en sus nuevos dueños.

Por los menos en aquellos menos despiertos y sensibles que no han logrado adivinar, contemplando su cuadro, que dicha invasión la artista sueca la resuelve, de forma inteligente y también dulcificada, con el refinamiento y la sutilidad de líneas y colores que suavizan el primer impacto.

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MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

“LLAMARE ANTES DE ENTRAR”

DE

ALICIA LARSSON

Cartel de la exposición “Llamaré antes de entrar”, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), de la artista sueca Alicia Larsson.

COMENTARIO

Al hablar de arte abstracto es inevitable que aparezca en nuestra mente una de sus principales características: el total distanciamiento de la realidad evitando que cualquier identificación, tácita o explícita, con dicha realidad; relegando al olvido todos los elementos figurativos y configurando una obra que exista por sí misma, una obra que tenga una identidad autónoma e independiente.

Unido a lo anterior, y buscando fórmulas de comunicación, la expresividad se consigue con diferentes recursos y métodos significativos e indicativos, con elementos fundamentales e inherentes al arte en donde el ordenamiento de esos diferentes elementos y su adecuada estructuración adquieren una categoría y carácter que va más allá de toda cuestión técnica.

¿Estamos reflexionando sobre arte abstracto o sobre la producción artística de Alicia Larsson? ¿Estamos especulando sobre ambos o sobre una de esas dos opciones o alternativas?

En un texto sobre esta artista sueca, la respuesta a ambas cuestiones es sencilla: disertamos sobre ambas alternativas a la vez, ya que disertar sobre arte abstracto es disertar sobre la producción de Larsson y viceversa.

El conjunto de la producción de Alicia Larsson se significa, además, por un lenguaje visual soberano, emancipado y exento de trabas; un lenguaje en el que las palabras y las oraciones gramaticales se transforman, en esta ocasión, en líneas, trazos y colores que se perpetúan porque la forma y el cromatismo se manifiesta a su libre albedrío, convirtiéndose en los dos contrafuertes que apuntalan su obra.

Son estos, formas y cromatismos, los que la mano de la artista convierten en molécula transmisora de lo que ella desea comunicar y transmitir y el color es, precisamente, el instrumento y el mecanismo más reseñable que pone a su disposición para ejecutar sus cuadros. A él subordina el resto, con el juega y coquetea intentando seducirlo, y seducirnos, hasta lograr conquistarlo.

Flirtea y corteja con él hasta desorientarnos y desconcertarnos cuando en una misma superficie cromática suave instala un color intenso o, cuando sucede al contrario, cuando sobre dicha superficie llena de potencia desliza, como perdida, una pincelada de color suave, blando y delicado que suaviza el resultado final.

Texto realizado por la Dirección del Museo Kaura Art Centre, (MKAC).

MAS INFORMACION EN:

https://mkac.wordpress.com/2015/10/19/alicia-larsson-llamare-antes-de-entrar-exposicion

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https://mkac.wordpress.com/?s=otero